cineart

Tomboy + The Rural Alberta Advantage

2011-11-20T18:25:00.001-02:00

Há, definitivamente, um quê andrógino na figura mirrada de Laure -- protagonista do vencedor do Teddy Award do Festival Internacional de Berlin (e do prêmio do júri de melhor longa do Festival Mix Brasil de Cinema da Diversidade Sexual, este, no último final de semana). A pequena acaba de mudar-se com seus pais e irmã mais nova para o bairro de um subúrbio francês, e ao ser confundida com um meninote por sua nova vizinha, Lisa, começa a fazer o jogo ao apresentar-se como Michaël, levando a mentira até onde o braço alcança e assumindo, de gruja, consequências engraçadas e às vezes bem desconfortáveis.

Tomboy (que do inglês é algo como "Maria-João", menina com trejeitos masculinos) é o segundo da diretora francesa Céline Sciamma, e segue quase a mesma linha do seu primeiro, Water Lilies, trazendo a tona questões sobre a exploração da sexualidade feminina nesse contexto homosexual. Digo quase, justamente por Tomboy ser uma espécie de retrocesso, ao menos cronologicamente, entregando um personagem para quem a sexualidade é praticamente zero. E isso fica claro quando o corpo assexuado de Laure é exibido, deixando evidente que, na idade dela, a divisão entre sexos é uma linha tênue e quase inexistente. A fotografia de cores simples se junta ao tom documental, latente em toda a produção -- consigo até enxergar a referência a Luc e Jean-Pierre Dardenne -- fazendo a transição do mundo fechado e inóspito dos vestiários e piscinas de seu filme anterior para ambientes mais etéreos e bucólicos de bosques e lagos, tudo isso misturado a uma política de "menos é mais". Há uma sensação de intimidade e proximidade do elenco incríveis que corroboram a criação de uma verdadeira crônica viva e absurdamente natural, suave e ao mesmo tempo sagaz em retratar as experiências da tenra idade.

Aliás, "natural" é um adjetivo que se repete ao longo de toda a projeção. Dentre outros aspectos fantásticos do filme, a interação do elenco, e principalmente, a direção dos pequeninos, todos desconhecidos e praticamente não-profissionais, é impecável! A naturalidade das cenas entre Laure e Jeanne (a lindíssississima Malonn Lévana, que dá vontade de apertar toda vez que ela surge na tela) é qualquer coisa de absurdamente linda.

O filme está longe de ser polêmico, entregando argumentos para influenciar ou mudar a atitude de outrem. Tomboy é mais um retrato emocionante do que significa ser pego fora das normas, sobre aventuras inocentes, sobre se apaixonar por algo impossível. Adorável.

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O trio é canadense. Nils Edenloff, Amy Cole e Paul Banwatt causaram certo burburinho no cenário alternativo com seu álbum de estréia, Hometowns. A voz bastante característica de Edenloff, a bateria frenética de Paul Banwatt e a doçura dos vocais de Amy Cole nos jogam algumas influências do tipo Neutral Milk Hotel, mas com características muito próprias, autênticas.

Este quase EP é o registro de um show realizado em março deste ano, onde a banda alterna entre a energia e intensidade de Hometowns e a pegada leve e bucólica de seu segundo disco, Departing. O som é digníssimo, com melodias que empolgam e emocionam na mesma proporção. E isso, meninos e meninas, é prova inegável de que a banda tem muito pra tornar-se grande; seja com um som mais energético, seja com baladinhas low-profile. =)

Serviço:

Live @ The Phoenix

01. Muscle Relaxants
02. Tomado '87
03. Edmonton
04. Frank, AB
05. In The Summertimes
06. Stramp
07. Bames' Yard
08. Drain The Blood
09. The Dethbridge in Lethbridge

The RAA - Live @ The Phoenix - Preview by flpvix

Akmareul Boatda (aka I Saw The Devil) + Mayer Hawthorne

2011-10-15T12:27:00.000-03:00

Eu gosto de terror. E assistindo a filmes produzidos em partes diferentes do globo, a gente acaba notando uma nítida diferença cultural na forma como a violência e o terror são usados a favor (e às vezes contra) da história que está ali para ser contada. No Japão parece um ato rebelde contra a cultura tímida e comportada; em Hong Kong é um atestado de estilo flamboyant; agora, na Coréia é quase sempre sobre a natureza destrutiva da violência e como ela pode prejudicar os dois lados de um conflito, o que talvez seja apropriado para um país dividido em dois.

I Saw the Devil junta a história de um serial killer com um conto de vingança. Não alcança a complexidade emocional ou nível de tragédia shakespeariana da trilogia de Park Chan Wook, mas o diretor Kim Jee Woon consegue transformar o seu filme numa pequena epopeia perturbadora sobre a escuridão da alma humana. Aliás, a referência filosófica do filme fica por conta de Nietzsche: "Aquele que luta com monstros deve acautelar-se para não tornar-se também um monstro. Quando se olha muito tempo para um abismo, o abismo olha para você." E é aí que o título sugere uma reviravolta na dinâmica no filme. Kyung-chul é a personificação do diabo, e ele, claro, não inspira a nossa simpatia. E a violência de um monstro como Kyung-chul é capaz de cegar um bom homem a ponto de fazê-lo esquecer de sua própria humanidade. Jee-woon cospe em nossa cara, sem dó nem piedade, a linha tênue que separa o bem do mal. E num país curtido pela guerra, com famílias divididas e desmanteladas, o filme de Kim sugere que a pior maneira de se curar a dor e a perda é a vingança – o que pode não parecer tão efetivo.

O plano de vingança prolongado de Soo-hyun acaba impedindo a polícia de prender o verdadeiro assassino. E ainda assim, com Soo-hyun no calcanhar, Kyung-chul continua seu reinado de terror, matando novas vítimas e exigindo um preço adicional demasiadamente alto - "... sangue pede sangue".

Numa época em que filmes de serial killer se mostram quase sempre chatos e descartáveis, I Saw the Devil é um sopro forte de vigor. E eu não falo só de violência e criatividade – falo de um filme que já nasceu clássico.

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A galera entendida torceu um pouco o nariz quando soube do êxodo do artista: Hawthorne migrou do selo indie Stones Throw Records (com um cast de dar inveja) para Universal Republic Records (o braço indie da poderosa Universal, o mesmo selo da finada Winehouse). Para os de pouca fé, Hawthorne manteve a alma soul de A Strange Arrangement. A pitada de amargura e o estado de êxtase sonoro incessante e em "no strings" dão o tom do disco. Ainda que causando algum tipo de discussão, ou te fazendo pensar durante uma noite inteira, a música de Mayer Hawthorne consegue ser envolvente e charmosa, nunca chata ou ruim. Seu primeiro single, The Walk, já nasceu clássico - prova cabal de que se consegue ser radiofônico sem precisar apelar, com qualidade.

Fino e soulful, Hawthorne mantém o seu OG com How Do You Do, graças à Deus. E fica a dica: da próxima vez, tenhamos um pouco mais de fé.

Serviço:

How Do You Do (2011)

01. Get To Know You
02. A Long Time
03. Can’t Stop (ft. Snoop Dogg)
04. Dreaming
05. The Walk
06. Finally Falling
07. Hooked
08. Stick Around
09. The News
10. You Called Me
11. You’re Not Ready
12. No String

How Do You Do - Preview by flpvix

Waiting for Superman

2011-09-18T12:07:00.002-03:00

Waiting for Superman não é apenas um filme cativante, que envolve o público pela narrativa emocionante e surpreende em seus minutos finais... é, antes de tudo, um soco no estômago da falida estrutura educacional pública americana. Pensando aqui com os meus botões, Davis Guggenheim bem que poderia ter novamente usado o An Inconvenient Truth para o título desse seu trabalho. Nesses novos 111 minutos, o diretor engrena uma narrativa perfeita e dá nome ao que antes eram só estatísticas: nos apresenta a Antônio, Francisco, Bianca, Daisy, e Emily -- cinco crianças que encontram-se presas ao sistema, numa busca incessante por uma saída. O problema central abordado pelo filme são os professores, com o argumento infalível de que são eles as peças chaves da equação. Se os caras não estão nem aí para a educação da molecada, a presença deles nas salas de aula se resume a preencher carteiras e morrerem de tédio. E essa falta de incentivo gera desinteresse, que consequentemente gera a evasão (o que justifica as escolas públicas americanas serem chamadas no filme de “fábricas de abandono” e “sumidouros acadêmico”). Entre vários motivos apontados, há ainda a temível estabilidade dos professores (o que dá o poder aos caras de fazer o que quiserem sem serem demitidos), e números (sobre a relação evasão escolar x criminalidade; sobre o quanto de dinheiro o governo americano gasta com sistema prisional em detrimento a educação; sobre a gritante diferença entre um bom professor e um professor ruim). Isso sem mencionar as soluções pífias do próprio sistema na tentativa de amenizar o impacto causado por uma educação de má qualidade e profissionais despreparados (a "Dança dos Limões", por exemplo, onde os diretores de escolas do mesmo distrito realizam uma troca de professores ruins, na esperança de que o ruim da escola vizinha seja menos pior do que aquele que acabara de mandar para outra; ou ainda a "Sala da Borracha", onde os professores suspenso por má conduta -- o que inclui de atrasos a abusos físicos e sexual -- lêem, dormem, jogam cartas e... recebem seu salário de forma integral enquanto aguardam os resultados das audiências -- que duram em média 3 anos, e custam aos cofres públicos do estado de Nova York U$ 100 milhões por ano). E fica impossível durante todo o filme não criar comparativos deste modelo americano com o também inibidor sistema educacional brasileiro (ainda que os motivos para as mazelas na educação nacional não sejam exatamente os mesmos do sistema americano). Tudo converge para a máxima que diz “as crianças são o nosso futuro”. Infelizmente não há uma solução automática e milagrosa para resolver o problema. E se essas crianças não estão recebendo a melhor educação possível, estamos todos indo para um buraco sem fim. É aí que entra a esperança da espera -- da espera de educadores fazendo o que supostamente deveriam fazer: ensinar, sem politicagem ou outros interesses. Geoffrey Canada, CEO e Presidente da Harlem Children's Zone, foi uma criança apunhalada pela cruel realidade ao descobrir que o Superman não era nada além dos gibis. Ele decidiu arregaçar as mangas para salvar os outros e a si mesmo. E nós, podemos fazer alguma coisa?

Waiting For Superman - Trailer from Ignition on Vimeo.

Red Hot + Rio 2

2011-09-10T12:54:00.000-03:00

O projeto reúne novos e renomados artistas da música brasileira com nomes em ascendência na esfera alternativa musical desde 1996. A iniciativa é da Red Hot Organization, uma produtora americana sem fins lucrativos que encabeça projetos culturais (e publicidade) no intuito de arrecadar verbas que ajudem ONG'S na prevenção e no combate a disseminação do vírus HIV. O Red Hot + Rio 2 tem como pano de fundo um dos grandes movimentos da contracultura do nosso Brasilzão, a tropicália - que faz um sucesso gigante entre a gringada, assim como toda a música brasileira faz. Além do ingrediente brazuca, da homenagem ao nosso som, os encontros musicais propostos pelo disco são absurdamente improváveis e quase sempre fantásticos! São dois álbuns, com 33 músicas no total: um primeiro com uma sonoridade mais, digamos, convencional, sem muita inovação de arranjos; e um segundo álbum mais, ousado e mais inventivo. No meio de tanta coisa boa, fica complicado destacar uma ou outra. Ainda assim, Nú Com a Minha Música (Marisa Monte, Devendra Banhart e Amarante), Um Canto De Afoxé Para O Bloco (com os über's do Superhuman Happiness), Um Girassol Da Cor Do Seu Cabelo (Mia Doi Todd e José González), Aquele Abraço (Forró In The Dark, Brazilian Girls e Angelique Kidjo), Leãozinho (Zach Condon e a galera do Beiruth), Bat Macumba (Os Mutantes e Of Montreal ), A Roda, num sotaque maravilhoso (Orquestra Contemporânea De Olinda e Emicida), Berimbau (Mayra Andrade e Trio Mocotó) e Panis et Cirsensis (The Boogie) são minhas preferidas. Um projeto bacana, com artistas bacanas, e em prol de uma causa que ainda precisa muito de atenção.

RH Loft Party: Beirut from Red Hot on Vimeo.

* o projeto possui vários pacotes à venda, que vão desde o disco em formato digital (MP3 ou lossless), por US$ 15,99; até o pacote master (com o disco em formato MP3 ou lossless, os dois cd's do projeto, vinil, bag, poster, enfim...), por US$ 75,00. Como a causa é nobre, eu fiz a compra dos dois discos em formato digital do projeto. O link do blog vai como de costume, mas ajudar nunca é demais, né não? No site oficial da produtora você consegue comprar, além do Red Hot + Rio 2, outros já lançados com o mesmo intuito.

Serviço:

Red Hot + Rio 2 (2010)

RED (álbum 1):

1. Baby: Alice Smith + Aloe Blacc
2. Tropicália (Mario C 2011 Remix): Beck + Seu Jorge
3. Um Girassol da Cor do Seu Cabelo: Mia Doi Todd + José González
4. Samba de Verão: QuadronT
5. Boa Reza: Vanessa da Mata + Seu Jorge & Almaz
6. Love I’ve Never Known: John Legend
7. Nascimento (Rebirth) – Scene II: Aloe Blacc + Clara Moreno
8. Ela (Ticklah Remix): Curumin
9. Baby (Old Dirty Baby Dub Version): Aloe Blacc + Alice Smith
10. Um Canto de Afoxé para o Bloco do Ilê: Superhuman Happiness + Cults
11. Mistérios: Om’Mas Keith
12. Aquele Abraço: Forró In The Dark + Brazilian Girls + Angelique Kidjo
13. Canto de Iemanjá: Mia Doi Todd
14. Terra (Prefuse 73 '3 Mellotrons In A Quiet Room' Version): Caetano Veloso
15. Nú Com A Minha Música: Marisa Monte + Devendra Banhart + Rodrigo Amarante
16. Acabou Chorare: Bebel Gilberto
17. Dreamworld: Marco de Canaveses: David Byrne + Caetano Veloso

HOT (álbum 2):

1. O Leãozinho: Beirut
2. Panis et Circensis: Tha Boogie
3. Bat Macumba: of Montreal + Os Mutantes
4. Tudo o Que Você Podia Ser: Phenomenal Handclap Band + Marcos Valle
5. Banana: Madlib + Joyce Moreno Feat. Generation Match
6. Freak Le Boom Boom: Marina Gasolina + Secousse
7. Tropical Affair: Money Mark + Thalma de Freitas + João Parahyba
8. Soy Loco Por Ti, América: Los Van Van + Carlinhos Brown
9. Roda: Orquestra Contemporânea de Olinda + Emicida
10. Berimbau: Mayra Andrade + Trio Mocotó
11. It's a Long Way: Apollo Nove + Céu + N.A.S.A.
12. A Cidade: DJ Dolores + Eugene Hütz + Otto + Fred 04 + Isaar
13. Ogodô, Ano 2000: Javelin + Tom Zé
14. Águas de Março: Atom™ + Toshiyuki Yasuda Feat. Fernanda Takai + Moreno Veloso
15. Show Me Love: Twin Danger
16. Pistis Sophia: Rita Lee

Lung Boonmee Raleuk Chat (aka Tio Boonmee, que Pode Recordar Suas Vidas Passadas)

2011-09-07T10:25:00.001-03:00

- Bilu é o escambau!

Então... Esse... Essa... Isso... Enfim, esse conjunto quase absurdo de imagens em movimento - que na verdade me parecem mais inertes - foi a grande zebra no Festival de Cannes do ano passado, vencendo a Palma de Ouro. Lung Boonmee... divide opiniões: entre os que acham tudo muito bonito, muito mágico e muito lúdico; e os céticos (oi?!) que acham tudo confuso demais, chato demais e pretensioso demais. Talvez (atentem ao negrito), Lung Boonmee... seja ambos. O roteirista e diretor tailandês Apichatpong Weerasethakul (aka Joe – apelido adotado por ele próprio na intenção de facilitar a vida dos escribas) criou uma fantasia eligia, impregnada de Zen Budismo, sobre um agricultor tailandês as vias de sua morte. Há algo excentricamente cômico sobre esse “rito de passagem”: os encontros com a esposa morta e uma mórbida semelhança entre seu filho e o intrépido urrador de Star Wars, Chewbacca, que o digam. No entanto, algo que me incomoda muito mais é a frustrante falta de clareza narrativa. Aliás, muito pouco do filme é realmente compreensível, principalmente tudo após a morte do tio Boonmee. A narrativa é desprovida de qualquer estrutura convencional (o que prova que o tiro às vezes pode sair pela culatra), e o ritmo é absurdamente arrastado, chato. Se você estiver com disposição para algo poético, talvez ache tudo muito gratificante e significativo. O que não funcionou muito pra mim... É aquele tipo de filme que as pessoas assistem para parecer mais inteligente do que realmente são, fingindo gostar, por não quererem ser vistos como filisteus. Só não me culpe se você sair balançando a cabeça, descrente e se queixando de que o que acabou de ver não passa de um monte de bobagem místico-prolixo.

Um banquinho, um violão...

2011-09-02T23:52:00.001-03:00

O pocket show (que eu mesmo baixei, ripei e fiz a ~~tosca~~ arte da capa) rolou no Littlefield antes dum papo com os fãs, e abre a turnê do City and Colour (aka Dallas Green) em seu novo trabalho, Little Hell. Quem ouve essa nova fase talvez não consiga imaginar o rapaz como um guitarrista nervoso de uma banda canadense de post-punk , e que, por vezes, emprestava sua voz de forma um tanto diferente da de agora. O talentoso mancebo dedilha alguma de suas melhores músicas e entrega qualquer coisa de emocionante aos nossos ouvidos! Os arranjos acústicos unidos à bela voz do rapaz dão o toque soulful a um emaranhado de características positivas, que ganham ainda mais força com as belas composições.

Serviço:

City and Colour - Live at Littlefield (2011)

1. Fragile Bird

2. Body In a Box

3. The Grand Optimist

4. Comin Home

5. Northern Wind

6. Against The Grain

7. Day Old Hate

Rise of the Planet of the Apes

2011-08-28T02:05:00.002-03:00

Olhos tristes... *shuinf*

Gostei tanto de Planeta dos Macacos: A Origem, que digo seguramente: ele não perde em quase nada para o de 68, a não ser o fato do original ser um grande clássico (e com todos os elementos da adaptção literária, naquele climão guerra-fria, com uma crítica afiada ao ser humano e suas atrocidades e as consequências da guerra, sei-que-lá-sei-que-lá). Que fique claro que este novo (...) A Origem, ao contrário do bom (e só) Planeta dos Macacos de Tim Burton, não é um remake do original. Como o próprio título brasileiro sugere, é uma prequel, ou seja, ~~cerveja~~ é um filme cuja trama antecede a um outro já lançado, onde, talvez, algo tenha ficado perdido ou não foi bem explicado. O roteiro, assinado a quatro mãos por Rick Jaffa e Prata Amanda, não é genial, mas não atrapalha em momento algum o andamento do filme dirigido pelo inglês Rupert Wyatt. No campo das atuações, temos o carismático James Franco como o protagonista Will Rodman, que talvez não fosse o primeiro ator em quem eu pensaria para o papel, mas que o entrega de forma bastante competente; a rainha de Bombay, Freida Pinto (lindíssima sempre), como a namorada de Will, Caroline Aranha (WTF?!) em uma participação que se resume a inúmeros "This is wrong, Will" durante toda a projeção; Tom Felton (Dodge Landon), em uma tentativa rasa de desvencilhar-se de um papel que o acompanhou por mais de 10 anos; e finalmente, Andy Serkis, que nos brinda com o símio Ceasar, absurdamente real em todos os sentidos, ainda que "mascarado" pelo incrível trabalho de CGI da Weta Digital. Serkis parece não se esforçar muito pra deixar transparecer a exuberância, o desespero e a ameaça com toda aquela carga emocional que normalmente a gente espera de um ator que não esteja com toda aquela parafernalha espalhada pelo corpo -- e isso, minha gente, é uma conquista maravilhosa. Outro ponto forte do filme é a excelência dos efeitos visuais manufaturados pela competentíssima fábrica de sonhos de Peter Jackson, responsável, entre outros trabalhos, pela trilogia O Senhor dos Anéis, King Kong, Avatar e As Aventuras de Tintin. A cena da macacada enlouquecida na Golden Gate, em plena a luz do dia é pra deixar de queixo caído. Tenho certeza de que vai agradar, ainda que pesem um pouquinho, beirando um leve exagero.

Quem diria que a temporada dos filmes de verão no hemísfério norte este ano nos presentearia com mais de um filme acima da média, hein?

[#musicaboa] Sallie Ford & The Sound Outside - Dirty Radio (2011)

2011-08-26T23:02:00.003-03:00

Esse lance de resgate sonoro é moda, e faz algum tempo já. Uma galera boa se esforça bastante pra alcançar algum resultado satisfatório (ou que ao menos não nos ofenda tanto), mas não me lembro de ter ouvido nada tão honesto e realmente new-old quanto Dirty Radio, primeiro (e simplesmente fenomenal!) disco da banda de Portland, Sallie Ford & The Sound Outside. Se eu fechar os olhos, juro, enxergo rapazes de topete com bastante brilhantina (e com o combo jeans-camiseta-branca-jaqueta-de-motoca-wayfarer) e moças com suas saias rodadas (e rabo-de-cavalo-chiclés-de-bola-óculos-gatinha) cantando e rodando num ginásio de uma high school qualquer do Oregon, em um daqueles Bailes da Primavera, saca? Rola um transporte para bandas de rockabilly do final dos anos 50/início dos anos 60 (meio Bill Halley & The Comets, Jerry Lee Lewis, Eddie Cochran e até Beatlles), rola um quê de Tom Waits, uma mistura de old-jazz-blues-folk-rock -- só que ao invés dos costumeiros vocais masculinos, temos uma bela e imponente voz feminina no comando, cheia de personalidade. Sensacional, de I Swear à Nightmares.

Pros apressadinhos que querem conferir logo, um vídeo bacana de Cage, ao vivo, na cozinha de um apartamento. Na sequência, o já popular link pro disco. ;D

Serviço:

Dirty Radio (2011)

1. I Swear

2. Danger

3. Cage

4. Poison Milk

5. Against The Law

6. Thirteen Years Old

7. This Crew

8. Write Me A Letter

9. Where Did You Go?

10. Miles

11. Nightmares

Back To The Future... is back?!

2011-08-26T00:43:00.007-03:00

É no mínimo curioso: quem cantou a pedra foi o @failwars, no twitter, e numa rápida pesquisada, vi que não haviam muitas referências... Tá na cara que é um viral, só não ficou claro ainda se tem algo a ver com a produção de um novo filme (as últimas notícias de uma nova aventura ~~de Marty McFly e~~ do Dr. Emmet Brow datam de 2002), ou nada além de uma publicidade.

Vê aí:

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EDITADO:

Ao que tudo indica é mesmo publicidade para uma loja argentina de eletrônicos, a Gabarino. Apesar de tudo, foi bacana de ver. O vídeo abaixo, de duração maior, é tipo um making-off-não-oficial feito por fãs durante o que parece ser a gravação do viral. O texto do vídeo ainda sugere a dúvida, mesmo depois de afirmar que a "máquina do tempo" original foi levada à Argentina para a produção do comercial... Sei não hein.

Créditos: Nerd Bastards.

X-Men: First Class (2011)

2011-08-24T03:06:00.015-03:00

Tão olhando o que?

Quando eu me empolgo assistindo a um filme, fico difícil de ser controlado... E, cara, eu amo ser surpreendido! Ainda que soubesse que o primeiro episódio do que parece ser a reinvenção de uma franquia (da qual eu sou muito fã) seria comandado pelo talentosíssimo Matthew Vaughn, diretor de um dos filmes mais bacanas dos últimos tempos. First Class é a coroação cinematográfica dos super-heróis-mutantes da Marvel; é a prova cabal de que uma mudança na direção e no elenco somadas a uma história digna de ser contada faz muito bem, sim senhor. O roteiro tem nos creditos o próprio Vaughn e mais três (Edward Ashley Miller, Zack Stentz e Goldman Jane), e por essa razão impressiona: por não parecer desconexo e alegórico, e funcionar de forma bastante inteligente -- o que o torna automaticamente bem acima da média. Em um filme de verão, desenvolver uma narrativa coerente, onde os personagens ou situações não se tornem absurdas (verborragia e explosão desnecessária de CGI na sua cara) é tarefa louvável, minha gente. Fassbender e McAvoy fazem jus aos seus protagonistas e nos entregam atuações muito honestas: McAvoy é o responsável por uma das mais bacanas "desconstruções" de um personagem da qual tenho notícias (o professor Charles Xavier), enquanto Fassbender nos aproxima muito de Erik Lehnsher (aka o temível Magneto). No núcleo do bem, destaque também para a lindíssima Jennifer Lawrence (Mística) e Nicholas Houth (Fera). E já que uma história de heróis nada é sem um puta vilão, senhoras e senhores, aplausos para Kevin Bacon!: o seu maníaco-nazista Sebastian Shaw é de fato hiper-mega-blaster-waster-triple-ninja-X-excelente.

Acho que eu não exagero quando digo que X-Men: First Class não é mais um filme saído das histórias em quadrinhos em um mercado atual absurdamente saturado. E é por conta disso tudo que não consigo imaginar como esse filmaço poderia ter sido melhor.

[#musicaboa] Mayer Hawthorne - Impressions/The Covers EP (2011)

2011-08-23T01:46:00.011-03:00

"Nunca julgue um livro pela capa". Essa frase seguramente abriu vários artigos que tinham Mayer Hawthorne e sua música como objeto de discussão. Maroto, com uma voz enganosamente soulful, tipo Daryl Hall, o rapaz (que abriu os shows da finada Amy aqui no Brasil) é absurdamente... batuta! Fica bem evidente pela música que o moço apresentou em seu último disco (o ótimo A Strange Arrangement, de 2009) que ele é um grande admirador da velha guarda da soul music. Em Impressions ele arrebenta as pregas e dá nova roupagem a clássicos da soul/R&B gravados por artistas que vão dos bambambans The Isleys Brothers, aos menos conhecidos The Festivals e os rockeiros britânicos do Electric Light Orchestra. É uma phina seleção de seis faixas, disponibilizadas de grátis na época do seu lançamento (maio deste ano) ná página oficial da gravadora do cara. Soul, honestíssimo, de verdade. ;D

Serviço:

Impressions/The Covers EP (2011)

1. Work To Do (Isley Brothers)
2. Don't Turn The Lights On (Chromeo)
3. You've Got The Makings Of A Lover (The Festivals)
4. Fantasy Girl (Jon Brion)
5. Little Person (Steve Salazar)
6. Mr Blue Sky (Electric Light Orchestra)

[cartaz] Tinker, Taylor, Soldier, Spy (2011)

2011-08-22T01:36:00.003-03:00

[trailer] Carnage (2011)

2011-08-20T22:35:00.008-03:00

Ontem pousou na rede o primeiro trailler de Carnage, novo longa de Roman Polanski. Como primeira impressão, impossível não notar o tom cômico da produção.

O elenco de peso é formado por Jodie Foster, John C. Reilly, Christoph Waltz e Kate Winslet.

Super 8

2011-08-20T21:55:00.005-03:00

- Ããããããhn...

Ainda que o nome de Steven Spielberg não fosse creditado ao final de Super 8, seria figurinha fácil em rodinhas de conversas sobre o filme: a nova produção do criador da série LOST, J.J. Abrams, é uma nostálgica mistura que não se envergonha em admitir de forma bastante clara que bebe muito da fonte de filmes consagrados do diretor norte americano. A bem da verdade, Super 8 é uma ode à infância de muita gente, onde a nostalgia possui um papel importantíssimo em todo o contexto. É ela o grande catalisador, quem traz à tona todas as lembranças de infância (afinal, quem foi que não se identificou e lembrou do tempo em que passava junto aos amigos, numa época em que ninguém sabia o significado da palavra responsabilidade?). Prum cara de quase trinta, como eu, Super 8 faz lembrar de E.T., Os Goonies (que também teve Spielberg só como produtor) e Jurassic Park (a cena do ônibus escolar com as crianças em polvorosa, hein?). O elenco infantil em ótima sintonia, o clima de tensão que paira sobre todo o filme e a pontuação com a trilha sonora perfeita somadas a uma ótima edição fazem de Super 8 um bom filme, com elementos de sobra que o fariam maior ainda.

On The Road e Capitão América

2011-02-04T06:20:00.003-02:00

Estas são as primeiras imagens do novo longa de Walter Salles. O diretor do também road movie Diários de Motocicleta está no comando da adaptação do clássico beat de Jack Kerouac, On The Road. Nas fotos, Kristen Stewart, Garret Hedlund e Sam Riley.

O elenco ainda conta com nomes interessantes como o de Viggo Mortensen e Steve Buscemi.

Há uma expectativa, principalmente por gostar da direção de Salles, e mais ainda por gostar do dinamismo despretensioso do livro de Kerouac.

As fotos foram divulgadas ontem pelo site francês Comme au Cinema.

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Editando o post, a Marvel divulgou em seu site oficial o primeiro cartaz de Capitain America: The First Avenger.

E eu que não fui muito com a cara do uniforme no início, começo a mudar de idéia. ;D

Black Swan

2011-01-28T16:32:00.003-02:00

Black Swan (Cisne Negro, de Darren Aronofsky, 2010)

Pensando aqui com os meus botões... o balé não é tão diferente da luta livre, não é mesmo? Os dois são meticulosamente coreografados, exigem um enorme esforço físico e possuem o estranho poder de destruição – e talvez a única diferença seja que o primeiro possui artistas fisicamente menores e quase sempre uma música muito melhor. E é quase impossível não assistir ao novo filme do diretor Darren Aronofsky, Black Swan -- um thriller fantástico sobre os bastidores de uma companhia de ballet profissional em Nova York --, como um complemento para o seu último filme, The Wrestler – o ótimo melodrama sobre os bastidores das competições de luta livre --, tendo Natalie Portman atuando como uma versão pocket de Mickey Rourke (apenas na questão física, que fique claro).

Visualmente falando, Black Swan também possui muito de seu irmão mais velho: a hand-cam, a fotografia granulada em 16mm, o uso freqüente da câmera nas costas, sempre acompanhando os movimentos de seu protagonista, assim como o olhar voyeur, e as partes de um desempenho que quase nunca é mostrado: as dores insuportáveis, as lesões, o sofrimento -- figuras que são uma constante nos bastidores de produções desse tipo. Existem também semelhanças temáticas evidentes, como a obsessão do indivíduo pela realização de uma performance perfeita. Mas, no caso da Nina de Natalie Portman -- retirada das bases da companhia para ter a chance de dançar o papel principal de A Rainha dos Cisnes em O Lago dos Cisnes, de Tchaikovsky --, fica mais que evidente que é a sua mente seu principal inimigo, não o seu corpo.

Aronofsky cria um tipo de representação visual de medo do palco e de ansiedade do desempenho que toma corpo. E não bastasse tudo, Nina ainda tem de lidar com o estresse a bombardeando de todos os lados. E não falo só de sua mãe (Barbara Hershey, poderosa), absurdamente controladora, que desistiu de sua própria carreira como dançarina para erguer a da filha -- e faz questão de nunca deixá-la esquecer disso. O diretor artístico da companhia de balé, Thomas (o sempre ótimo Vincent Cassel), é também um ser bastante desprezível: um mulherengo francês que se diverte colocando a doce bailarina em situações desconfortáveis, tanto para desbloquear o lado sedutor dA Rainha dos Cisnes, o Cisne Negro do título, mas talvez, antes de tudo, para o seu próprio deleite. E aí, Lily (a linda e talentosa Mila Kunis), a bailarina baladeira, recém-chegada de São Francisco, aparece com a missão de servir de trampolim para Nina, já que a nova rival consegue expor as deficiências técnicas da protagonista por deter o tipo de sensualidade crua que a personagem de Portman teima em não deixar transparecer.

O filme é uma pequena obra-prima de crescente tensão; e é justamente dessa forma crescente e lenta (na medida certa, sem nunca se arrastar) que Aronofsky começa introduzindo seus vários dispositivos de indução ao horror: o rápido flash de um vulto em um espelho e que não deveria estar lá, o reflexo do rosto transfigurado da protagonista, cheio de olhares fugazes, a aparente deterioração física, como uma unha quebrada ou a misteriosa série de arranhões no ombro. E o diretor monta meticulosamente cada cena que envolve esses elementos, alçando tudo a um patamar maior, como um compositor que usa a sua música para dar o tom do clímax dramático. E já que falei de música, Aronofsky usa de forma sublime toda a carga dramática existente na obra original de Tchaikovsky para pontuar a própria estrutura do filme.

No papel principal, Portman nos presenteia de forma visceral com uma queda vertiginosa em direção ao insano. Há momentos em que torna-se difícil dizer onde realidade se mistura com ficção, tamanho o domínio do material que Portman detém. Tomando para ela mesma os conselhos do personagem de Cassel à Nina, a atriz entrega-se de corpo e alma a sua personagem: primeiro incorporando o tímido ‘lado branco’ com tanta proeza que a vontade que temos é a de sacudi-la na tentativa de persuadi-la a assumir algum controle ao invés de ser empurrada por todos os outros; para no final assumir de forma sublime o lado traiçoeiro e sensual do cisne negro. A atriz decidiu também por não usar substitutos em suas cenas de dança, fazendo ela mesma, e (para os olhares menos treinados) de maneira sempre competente.

Quando Nina não consegue mais enxergar volta na loucura completa, o filme torna-se um sinistro labirinto de espelhos (um ‘personagem’ sempre constante). Aronofksy sente prazer em misturar doses altas de horror psicológico à carga melodramática inerentes à historia, nos mantendo presos a todo o instante. A tensão, a música, o fio vivo da ansiedade do desempenho perfeito que conclui o filme, conversam de igual para igual com nossos medos e neuroses mais arraigados. E pode até parecer um pouco de exagero, mas se assim como Nina, você permitir-se entregar, o efeito é excitante -- uma das experiências mais psicologicamente acachapantes que eu já tive, colocando no chinelo qualquer outra que tenha tido o mesmo propósito.

Sem medo algum de errar, Black Swan é um dos melhores filmes do ano, e o meu favorito entre os indicados ao Academy Awards.

Oscar 2011

2011-01-26T12:37:00.016-02:00

Faz muito tempo que não comento sobre a cerimônia do Oscar -- na verdade, nunca tive muito saco para fazê-lo. Não assisti a todos os filmes indicados, muito embora todos já estejam me esperando. Decidi ater-me aos indicados das principais categorias (atores, filmes e direção) e não às faltas. Quando começamos a analisar o que deveria ter sido indicado e não foi, o post normalmente fica enorme demais e rabugento demais. Entonces...

Sem muitas novidades (como todo o ano), o realmente ótimo The King's Speech' (o Discurso do Rei), como no Bafta e no Golden Globe, lidera a lista de indicações -- doze no total. Logo atrás, com dez, vem o filme dos irmãos Coen, True Grit (Bravura Indômita). The Fighter (O Vencedor) e The Social Network (A Rede Social) tiveram oito indicações cada um.

Nos indicados para direção, o grande nome é o de David Fincher, ganhador do Golden Globe por The Social Network. O páreo conta ainda com Tom Hooper, com The King's Speech', Aronofsky com Black Swan (o meu favorito) e David O. Russel, com The Fighter.

Em melhor ator, o nome disparado é Colin Firth, na pele de George IV em The King's Speech'. Apesar de ainda não ter visto Biutiful, com o sempre ótimo Javier Barden, e gostar muito de Jeff Bridges em True Grit (e que se ganhar será pelo segundo ano consecutivo, já que levou o ano passado por Crazy Heart), as minhas apostas ainda são no ator britânico.

Natalie Portaman segue firme na ponta pelo seu trabalho visceral em Black Swan. Annet Bening, do hilário The Kids Are All Right (Minhas Mães e Meu Pai) come pelas beiradas. A minha aposta vai ser sempre em Natalie Portman.

Com os coadjuvantes, Geoffrey Rush e seu excêntrico fonoaudiólogo em The King's Speech' terá uma disputa acirrada com o viciado de Christian Bale em The Fighter. Gosto da atuação de Bale, sinto uma ponta de simpatia por Mark Ruffalo, mas aposto tudo no veterano australiano.

Com as atrizes, a unanimidade recai sobre Melissa Leo em The Fighter, de fato sublime. Apesar de sempre achar a Helena Bonham Carter fantástica, e de ter gostado muito da pequena Hailee Steinfeld, fico mesmo com a massa.

Entre os filmes, o meu disparado favorito é Black Swan, apesar da utopia, já que The Social Network e The King's Speech' são os grandes apontados. Com as novas regras, os indicados a categoria de melhor filme são dez -- o que permite a alguns filmes "quase" entrar na disputa com os grandes favoritos. Toy Story 3, depois da incansável campanha, concorre também na categoria de melhor filme, mas deve mesmo acabar com a estatueta de melhor animação (onde estão também, no mesmo páreo, o ótimo e divertido How To Train Your Dragon (Como Treinar Seu Dragão), e o estupendo drama de animação francês, do mesmo criador de As Bicicletas de Bellevile, Jacques Tati, L'illusionniste (O Mágico).

E embora não tenhamos sido indicados com filme estrangeiro (e eu estranharia se fôssemos), o Brasil está lá em uma co-produção com o Reino Unido: Lixo Extraordinário fala sobre o trabalho social que o artista plástico brasileiro radicado em Nova York, Vik Muniz, faz com os catadores de lixo do Rio de Janeiro. É um forte candidato na categoria locumentário/longa e pode sim sair no dia 27 de fevereiro com a estatueta.

O Oscar este ano será apresentado por James Franco e Anne Hataway. A premiação rola no dia 27 de Fevereiro, domingo, no costumeiro Kodak Theatre. A transmissão na TV aberta fica a cargo da Globo; já na TV paga, o trabalho é da TNT. Ambas com tradução simultânea. O canal pago E! também está na transmissão, tradicionalmente mostrando o tapete vermelho -- esse, sem tradução simultânea. A nós, cinéfilos mortais, cabe decidir quem são os menos chatos: Rubens Ewald Filho e Cris Nicklas, ou Maria Beltrão e Zé Wilker.

Se o Kibe Loko fizer o live quinem o ano passado, eu fico com eles!

♪ Post fechado ao som do álbum A Strange Arrangement, de Mayer Hawthorne.

Let Me In

2011-01-24T12:43:00.006-02:00

(Deixe-me Entrar, de Matt Reeves, 2010)

Ah, as armadilhas da juventude! As panelinhas na escola, os picos hormonais, a busca incansável pela verdade no intuito de saber se esse ou aquele novo amigo é apenas um branquelo esquisitão, ou se ele é realmente um vampiro... WTF?! Tá, é verdade, essa última não é tão comum quanto as outras. Mas é o caso do jovem Owen, um rapazinho franzino e solitário de doze anos que faz amizade com Abby, a nova inquilina misteriosa do condomínio em Los Alamos, Novo México. Abby também tem "doze anos, mais ou menos", como ela mesma diz, em um tom enigmático. Além da idade em comum com Owen, ela cheira engraçado, anda descalça na neve, não sente frio, e é absurdamente espetacular com o Cubo de Rubik. Se tudo isso te parece mais do mesmo, é porque realmente é: Let Me In é um remake de Låt Den Rätte Komma In, a pequena obra-prima sueca, item obrigatório em qualquer listinha de dez mais de 2008/2009.

O roteirista e diretor Matt Reeves, de Cloverfield (uhum, ele mesmo), tomou como base o texto original do sueco John Ajvide Lindqvist para a adaptação (e, inexplicavelmente, mudou todo o significado do título no processo). Ainda assim, há pequenos momentos no filme em que sinto como se rolasse uma recriação shot-for-shot da irretocável versão sueca.

Como no original, o jovem Owen – raquítico e excêntrico -- é alvo fácil nas mãos dos valentões da escola (e cá pra nós, “crianças” são realmente cruéis quando querem ser), e, como reza a cartilha, sonha todas as noites com vingança. Em uma dessas noites, enquanto observa alguns vizinhos com o seu telescópio, Owen percebe a chegada dos novos moradores do condomínio -- Abby e a figura de um homem que parece ser seu pai. A partir daí, os dois pré-adolescentes iniciam uma amizade estranha – que não passa de reuniões ocasionais no playground e idas ao que parece ser um stop shop. E é quando finalmente a pacata cidade começa a contabilizar mortes estranhas, e a polícia entra no meio para investigar.

A chave para fazer do filme algo interessante recai sobre a esquisita relação entre os dois protagonistas. E como as comparações são inevitáveis... Chloë Grace Moretz – absurdamente fantástica na pele da antológica Hit-Girl em Kick-Ass - está longe da profundidade alcançada com a interpretação de Lina Leeandersson, no original. Apesar de reconhecer que é um papel quase impossível para uma jovem atriz (afinal de contas estamos falando de um ser com uma bagagem centenária presa em um corpo de 12 anos de idade). Na versão sueca, Leandersson arrebenta as pregas adotando um olhar de mil quilômetros de desespero e vulnerabilidade. Infelizmente aqui, Moretz raramente vai além do beicinho pirracento de uma garotinha travessa que guarda um grande segredo. A exemplo do seu companheiro de cena, Richard Jenkins (uma pequena mas importante peça do quebra-cabeça) que tem o seu personagem quase esquecido por conta de um roteiro que beira o medíocre.

Mas Reeves tem uma carta na manga (para a minha surpresa e felicidade), e ele atende pelo nome de Kodi Smit-McPhee. O jovem ator é absurdamente crível e consegue – aparentemente sem muito esforço – alcançar o nível de Kåre Hedebrant, o Oskar, do original. Talvez seja algo naqueles olhos azuis arregalados, ou os malares altos com o corte de cabelo esquisito que dão a impressão de vermos um menino que foi retirado do forno muito cedo. A atuação do jovem mancebo alcança níveis tão honestos de desgosto que quase vale a pena ver o filme só por ele. Quase...

Na medida em que cada frame avançava, eu tinha mais e mais certeza do equívoco que foi escolher Matt Reeves para a direção deste remake: a cabeça por trás de Cloverfield mostra realmente ingenuidade naquilo que se propõe a fazer, tanto quando nos obriga a assistir a desorientação de sua câmera na parte traseira de um ônibus escolar, quanto na tacada de mestre que foi mostrar na TV a frase "It's 10 pm, do you know where your children are?" ao mesmo tempo em que Owen se esgueira pra fora de seu apartamento para passar a noite com Abby, enquanto sua mãe dorme no sofá da sala. Não bastasse tudo, o incansável Reeves não foi capaz em momento algum de alcançar o ar de pavor e desespero que permeiam o filme sueco. Ainda que a mudança para Los Alamos seja apropriadamente fria (em todos os sentidos), nunca parece ser tão distante e desolada quanto a paisagem suburbana de Estocolmo. Mas o tiro de misericórdia vem mesmo com o uso indecente de CGI em cenas que passariam muito bem sem ele (obrigado), distanciando definitivamente o remake para anos luz do original.

Conselho de amigo: a não ser que vampiros te assustem mais que o svenska (aka língua sueca), assista ao original. ;D

Scott Pilgrim vs The World

2011-01-22T10:51:00.004-02:00

(Scott Pilgrim Contra o Mundo, de Edgar Wright, 2010)

Logo que Zack Snyder alardeou que seria ele o responsável pela adaptação de Watchmen, de Alan Moore, muita gente mordeu a beiça achando que não seria bacana, alegando (como em alguns outros episódios muito bem-sucedidos) que o material de origem era infilmável. O mesmo deve ter rolado quando foi anunciada a adaptação dos quadrinhos assinados por Bryan Lee O'Malley's -- uma série em seis volumes cheia de personagens excêntricos e recheado de referências da cultura pop-nerd.

Personagens, aliás, que poderiam compor aquele famoso poema de Drummond: Knives ama Scott, que ama Knives, que ama Scott, e que passou a amar Ramona... Que amou Matthew, Lucas, Todd, Roxy (porque "todo mundo tem uma fase lésbica em algum momento da vida"), Kyle e Ken e Gideon. Matthew virou macumbeiro do mal, Lucas é astro de cinema, Roxy ainda é lésbica, Kyle e Ken são super DJ’s e Gideon o líder dA Liga dos Ex-Namorados do Mal de Ramona Flowers. E todos os sete querem trucidar Scott por ele ser o novo queridinho de Ramona.

Bebendo goles generosos da mesma fonte de Spaced – série do mesmo (e genial) diretor inglês Edgar Wright, o mundo fabricado de Scott Pilgrim vs The World cai no limbo, em algum lugar entre a realidade, o fantástico e o incomum, onde coisas absurdas rolam sem explicação ou surpresa de alguns dos personagens. E é isso que dá o tom necessário à história, assim como a incansável jornada de Scott é essencialmente uma tradução literal da velha máxima, "love is battlefield" (tudo bem, é só uma música da Pat Benatar, o que não a torna menos verdadeira).

Falando em campo de batalha, as fantásticas cenas de lutas são coreografadas como em video-games, com cada ex-namorado do mal servindo como o último chefão, e explodindo em uma chuva de moedas quando derrotado. Wright também faz forte uso de efeitos de som e efeitos visuais no melhor estilo Nintendinho 8-bits, enquanto as onomatopéias são animadas em letras, igualzinho aos comic books.

O texto é tão mastigadinho e divertido quanto nos originais de O'Malley's -- e o crédito é total de Wright e o co-roteirista Michael Bacall, que condensaram todos os seis volumes em um filme apenas, com maestria. Tudo bem que uma coisa ou outra acabou ficando de fora, mas nada que chegue a provocar insatisfação por parte dos fãs. Wright mantém o roteiro enxuto, num ritmo alucinante, combinando uma edição frenética e telas divididas. O elenco também é ótimo, e apesar de todos manterem a regularidade (os ex-namorados do mal fazem um trabalho particularmente bacana com o tempo limitado que alguns possuem em cena), eu destacaria o quase esquecido (quase tanto quanto o braço mais famoso da família) irmão Culkin, Kieran; a lindinha e borbulhante novata, Ellen Wong, e um Michael Cera com mais cara e atitude de Scott Pilgrim do que eu jamais poderia imaginar.

Scott Pilgrim vs The World não é só uma declaração de amor aos quadrinhos, ou aos geeks de todo o mundo -- é uma ode ao nerdly way! É um paralelo do mundo real, onde nada é conseqüência e tudo é conseqüência.

♪ Post fechado ao som de Dionne Bromfield, Foolish Little Girl.

O novo Aranha...

2011-01-19T19:13:00.006-02:00

Taí. E eu que não conseguia enxergar mais ninguém além de Tobey Maguire na pele de Peter Parker/Aranha... pagando a minha língua. Gostei muito do uniforme. E de Andrew Garfield dando corpo ao personagem.

Tá com cara de que vai prestar! ;D

O MovieWeb colocou no ar hoje dois vídeos curtinhos do cabeça-de-teia em uma provável cena, além de fotos do set. Bacanão dar uma conferida!

Don't Look Up.

2010-08-21T12:37:00.002-03:00

Quando ouço juntas as palavras "ficção científica" e "baixo orçamento" eu já fico serelepe! Este pôster e este trailer só fizeram aumentar a expectativa. A essa altura deve tá todo mundo sabendo que se trata da nova colaboração da dupla Colin e Greg Strause, que entre coisas não tão bacanas, foram responsáveis pelos efeitos visuais de Benjamin Button e Avatar. Já tem gente dizendo que se trata de o novo Independence Day... Eu prefiro acreditar que esteja mais pra District 9.

Agora diz aí, legal demais essa coisa de abdução em massa, não?

Notas breves: Inception e The Expendables

2010-08-15T15:51:00.000-03:00

(A Origem, de Christopher Nolan, 2010)

Inception me deu uma estranha sensação de déjà vu. Não que existam muitas semelhanças entre o filme de Scorsese e Nolan... quer dizer, há o tema ilusão x realidade, de certa forma há o drama conjugal/familiar, e também há Leonardo DiCaprio como protagonista. Mas assim como Shutter Island, Inception pensa ser mais esperto que o expectador... No final você acaba percebendo que perdeu quase duas horas e meia da sua vida com toda aquela bobagem. Não que eu não entenda ou não aprecie a insana viagem de Nolan ao maravilhoso mundo dos sonhos. Mas por que diabos um filme concebido para abalar minha estrutura psicológica me faz sentir, na melhor das hipóteses, indiferente?

Tudo bem, algumas cenas impressionam, como a já clássica ‘dobra’ da cidade arquitetada pelo personagem de Ellen Page, e a incrível cena de luta em gravidade zero. E há certo prazer, pelo menos na primeira hora de projeção, onde tentamos acompanhar o joguete entre ilusão e realidade e da miríade de regras para manipulação dos sonhos. Mas depois da primeira hora e meia tudo parece muito barulho por nada.

Inception é tão ousado, mas tão ousado que perde um tempo precioso explicando o quão corajoso e ousado ele é (com sua ingenuidade estrutural quase tão impressionante quanto a qualidade técnica). Infelizmente em termos humanos é quase nulo, e muito diferente dos sonhos mais bacanudos, esse não fica na lembrança.

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(Os Mercenários, Sylvester Stallone, 2010)

Nem sei o que dizer... The Expendables é tudo o que eu esperava e mais! É sem dúvida a grande sacada de Sly Stallone, e uma ode ao cinema de ação dos anos 80: mudo, barulhento e explosivo! É trinitrotolueno purinho, minha gente!

A fita é um mash-up com as grandes estrelas dos filmes de ação (levaria menos tempo pra dizer quem não está no elenco do que o contrário)! E o enredo não poderia ser mais old-school: alguns bandidos canastrões e os caras legais que estão atrás desses bandidos em algum lugar do terceiro mundo. Perseguições insanas, explosões literais, armas de fogo (de todos os estilos e calibres), facas bem grandes, aviões, caminhões, Harley Davidson’s e sangue -- muito sangue. É Tarantino, só que sem a costumeira ironia.

As explosões, o caos e os crânios esmagados preenchem com maestria as lacunas do roteiro. Sly, que escreve e dirige essa divertida e empolgante confusão muscular, sabe muito bem como filmar cada sequência de forma visceral, sem dar muita atenção a continuidade ou ao desenvolvimento de seus personagens (o único com um background raso aqui é o personagem vivido pelo inglês Jason Statham).

The Expendables é a retomada de fôlego do cinema de ação; é uma mistura maravilhosa de entretenimento visceral que nos oferece o top do cinema truculento! Um filme feito para se lembrar dos dias de glória dos blockbusters de ação. É Sly Stallone arrebentando as pregas, descobrindo um novo jeito de ensurdecer uma nova geração tão desacostumada a essa overdose de testosterona nas telas de cinema! ;D

Kick-Ass

2010-08-07T17:18:00.002-03:00

(Kick-Ass - Quebrando Tudo, de Matthew Vaughn, 2010)

Adaptações para o cinema, até para os menos puristas, soa sempre como um problema. E enquanto um número cada vez maior de HQ’s alcançam as grandes salas de projeção, continuamos a observar algumas decepções indiscutíveis durante a última década. Se a gente resolve falar do encontro entre essas duas mídias altamente visuais, caímos por sobre a liberdade dos autores em cada uma: o cara da prancheta certamente possui mais liberdade que o cara atrás das câmeras. E não somente do ponto de vista criativo. O que explica direitinho o motivo das histórias em quadrinho terem perdido a sua essência, a sua densidade, para se tornarem produções bonitinhas, arrumadas e quase sempre acéfalas...

Kick-Ass é tudo o que as normas de ética e moral do cinema mainstream querem longe das telas: violência extrema e boa dose de cinismo. Para o nosso deleite e surpresa, com um texto excepcional de Matthew Vaughn e Jane Goldman (que se certificaram em fazer tudo dentro dos conformes, a fim de deixar a fita apresentável para um público amplo), temos o que seguramente posso chamar de uma das melhores adaptações de HQ para telona, além de um dos melhores filmes do ano. E há algumas diferenças entre as duas versões da saga de Dave Lizewske, o rapaz que resolve lutar contra o crime em uma roupa de mergulho . Assim como o (anti) herói de Watchmen, o rapazola percorre toda a cidade para manter a ordem e a justiça, mesmo que não tenha a menor habilidade e talento para isso. Vaughn e Goldman se permitiram alguns ajustes em todos os personagens, reduzindo de alguma forma a carga emotiva presente no original, mas sem comprometê-los -- como no caso da dulpa explosiva do filme, Big Daddy (Cage, hilário) e a pequena Hit Girl (Chlöe Moretz Grace, genial em um dos melhores personagem de todos os tempos), em quem os roteiristas confiam a missão de vingança contra a facção criminosa liderada por Frank D’amico (Strong, impagável). Outro grande lance do roteiro foi o de mostrar a via crucis dos gângsteres em pôr as mãos no suposto justiceiro mascarado, coisa que Millar não fez no original – e que permitiu ao diretor clarear um tom, jogando com a ironia dramática sem nunca trair o espírito underground e sádico do texto original.

Ainda que levante uma pergunta no mínimo curiosa em relação ao motivo de nunca ninguém ter se aventurado no mundo dos super-heróis (questão essa que é respondida logo na primeira aparição de Kick-Ass contra o crime), Vaughn não comete o erro de uma imersão ultra-realista. Se o universo de Kick-Ass se mostra por vezes cru e vulgar, o cineasta britânico se esforça para permitir que os seus protagonistas vivam suas fantasias, orquestrando cenas de ação absolutamente deslumbrantes onde o excesso é obrigatório, e a violência revela-se por vezes menos radical, apesar de incitada quase sempre por uma menina de 11 anos. Mas a essência da fita talvez seja muito mais pertinente, pois lida com o nascimento de um fenômeno popular na era das mídias sociais, ao mesmo tempo em que adota um número de elementos consideráveis presentes no imaginário coletivo mundial. E fica muito fácil constatar isso tudo quando vemos a cena de tiroteio frenético em primeira pessoa, com diálogos que nos remetem a Scarface e a cena final de O Retorno de Jedi; e claro, a homenagem clara à Kill Bill em uma sequência final brilhante, onde o diretor se permite invocar Tarantino adotando uma das trilhas de Ennio Morricone. Aliás, a trilha sonora é outro ponto fortíssimo, e nos oferece um cardápio variado que vai de Prodigy à Mozart. É também na trilha que Kick-Ass mostra todo o seu discernimento, sempre usando suas referências com uma intenção muito definida (como evocar Rossini num contexto absolutamente diferente do usado por Kubrick em Laranja Mecânica).

Sem dúvida alguma Kick-Ass será recebido por muitos como uma produção amoral, condenável e irresponsável -- com todos os méritos. Mas ao invés de enterrar nossas cabeças na areia, Vaughn e Goldman decidem assumir a responsabilidade por suas idéias, trazendo confiança aos espectadores, que se privam de analisar conceitos morais de bem e mal, e percebem o quão absurdo e inacreditável pode ser o entretenimento, sem que nos insulte a inteligência. No nível estético, a equipe do diretor britânico dá show: quer seja pela originalidade e fluidez das sequências de ação (fruto da ótima montagem) ou pela fotografia colorida de Ben Davis.

O resultado não poderia ser diferente: o melhor filme de super-heróis desde The Dark Knight, Kick-Ass faz jus ao nome, em todos os sentidos.

#ScottPilgrimNoBrasilNOW

2010-08-03T09:06:00.007-03:00

Obrigado, Paramount, por jogar essa belezura pra outubro. Muito, muito, muito obrigado.

O Thiago Siqueira, do Cinema com Rapadura, lançou a campanha do título deste post no último RapaduraCast. Eu fiz a minha parte.

Mais sobre Scott... quem?

The Last Airbender

2010-07-31T14:32:00.008-03:00

(0 Último Mestre do Ar, de M. Night Shyamalan, 2010)

Desde que foi anunciada a versão em celulóide de Avatar, popular série animada produzida pela Nickelodeon, a controvérsia e o ceticismo tem pairado sobre a produção. Assistindo à nova brincadeira do diretor indiano, posso garantir a quem se preocupa com o racismo já alardeado do filme (o que incitou fãs puristas na gringa a promover um boicote), que ele é praticamente nulo quando comparado a inegável arte de Manoj Nelliattu Shyamalan em destruir -- de forma (sempre) competente -- expectativas e materiais que definitivamente poderiam colocá-lo novamente em um posto de honra. Com um roteiro "incrível", The Last Airbender é um grave insulto a qualquer ser com um QI de três dígitos e disposto a usá-los durante a projeção. Diferente do original criado por Michael Dante DiMartino e Bryan Konietzko, o filme de Shyamalan é ruim. E arrisco a dizer (com um pouco de pesar, até porque ainda acredito na capacidade de Shyamalan em voltar a velha forma) que O Último Mestre do Ar vem pra arrebentar as pregas e assinar, de uma vez por todas, a já anunciada sentença de morte de sua carreira... o que torna mais difícil de acreditar que a Paramount confiaria a continuação da série (ou trilogia) ao diretor.

Se você por acaso não conhece, The Last Airbender conta a história de um mundo coabitado por quatro tribos, representadas pelos quatro elementos (ar, água, terra e fogo). Em cada tribo, existem o que chamamos de "dobradores" (ou Mestres... da Água, Terra, Fogo e Ar) - indivíduos que manipulam o seu respectivo elemento. E em algum lugar perdido no mundo, o Avatar, que domina a todos os quatro elementos, e de quem não se tem notícias a mais de 100 anos. E é justamente nele, o último Mestre da Tribo do Ar, em que se deposita toda a esperança de libertação da opressão imposta pela Tribo do Fogo, que tem em seu controle grande parte desse mundo.

O filme retrocede. Nos remete a um tempo antes de O Senhor dos Anéis e Harry Potter, quando o cinema de fantasia não passava do filho bastardo da ficção científica, sempre motivo de piada. É uma compilação de clichês ruins e costurados de forma deselegante pelo roteiro amargo de Shyamalan. Como se já não bastasse tudo, o diretor-roteirista se afunda muito mais ao comprimir uma tonelada de informação em uma linha de díálogo (o que contribuiu prum filme bastante corrido e confuso), jogando nas costas dos jovens atores uma carga pesada demais e que obviamente eles não conseguem suportar. Irônicamente ou não, os menos piores em cena fazem parte da banda étnica da produção: Patel, Curtis e Assif Mandvi. Ainda assim, em alguns pontos me lembrei do conselho que Herrison Ford deu a Lucas no set de Star Wars, onde ele basicamente dizia que o diretor poderia escrever qualquer merda que quisesse, e ainda assim, a grande maioria das coisas escritas não poderiam ser ditas, interpretadas de forma satisfatória.

Mas nem tudo são cinzas -- se me permitem a piada infame. A produção de design acerta muito: Phillip Messina fez o meu queixo cair em várias passagens, com beleza e capricho, enciclopédico com as referências culturais de cada tribo, o que inevitavelmente cria uma identidade real; a fotografia de Abdrew Lesnie é absurda; Judianna Makovsky também fez a lição de casa direitinho para o figurino, perfeitos; e como não poderia deixar de ser, os efeitos visuais (cortesia da turma do Tio Lucas, a Industrial Light and Magic) corroboram para todo o deleite visual da produção, principalmente em relação a dobra dos elementos (da água, sobretudo).

Alguns fodões do mainstream cinematográfico diziam que a redenção de M. Night Shyamalan poderia vir de um material adaptado. The Last Airbender joga por terra essa teoria, o que supera qualquer coisa que ele já tenha produzido em termos de horror incompreendido. Há momentos em que me pergunto seriamente se ele está tentando seguir os passos de Ed Wood... Fato é que erros primários comprometem toda uma produção, e pior, insultam a nossa inteligência. Neste caso específico, aos fãs da série original, que terão de pagar para assistir a um resultado vergonhoso (ainda que a equipe de arte tenha acertado muito).

Que me perdoe Shakespeare, mas se merda tivesse outro nome, continuaria a feder do mesmo jeito.

I Love You Phillip Morris!

2010-06-14T01:36:00.011-03:00

(O Golpista do Ano, de John Requa e Glenn Ficarra, 2010)

O filme começa com uma declaração: as palavras "Isto realmente aconteceu" saltam à tela. E então, só pra ter certeza de que você tem a certeza de que está prestes a assistir uma das mais improváveis cinebiografias dos últimos tempos, Requa e Ficarra, que juntos escreveram e dirigiram o filme, acrescentam: "De verdade". Baseado no livro homônimo do então repórter americano do Houston Chronicle, Steve McVicker, I Love You Phillip Morris! esmiuça a trajetória de uma lenda prisional americana. A versão em celulóide é um pouco mais ácida e crua. O resultado é um romance (e não uma sátira ou um conto pervertido) estranhamente interessante -- um dos mais românticos e mais inspiradores dos últimos anos.

Nos primeiros dez minutos a fita possui um desenrolar quase frenético: após o jovem Steven descobrir que é adotado (numa cena impagável), ele decide ser o melhor em tudo o que fizer. Cresce, torna-se polcial na Geórgia, casa-se com Debbie (a ótima Leslie Mann), com quem tem dois filhos, além de outras características bem aceitas pela nossa sociedade cristã-heterosexual. Fazendo uso de suas regalias, ele se infiltra nos computadores da polícia pra descobrir o paradeiro de sua mãe biológica, e ao ser rejeitado por ela entra em parafuso. Se envolvendo em um acidente, Steven sai dali jurando nunca mais viver uma mentira. É exatamente neste ponto que os roteiristas tratam de descontruir o personagem de Carrey: Steven é gay ("gay, gay, gay, gay, gay", como ele mesmo faz questão de endossar), e a partir de todas essas desilusões resolve sair do armário e abraçar o gay-wayoflife. Na tentativa de manter o luxuoso estilo de vida (porque "ser gay é relmente caro"), ele passa a aplicar golpes, fraudar cartões de créditos e seguros, até ser descoberto e mandado pra cadeia, onde finalmente conhece o gentil e vulnerável Phillip Morris.

O corte seco, a edição e a fotografia ajudam a compor os objetivos do ótimo roteiro de John Requa e Glenn Ficarra, quando nos levam do ápice ao fundo do poço, ou do choque a risada. Mas isso de nada valeria se não fosse o ótimo elenco. É quase sempre regra dizer que comediantes são fantásticos em papéis dramáticos -- e nós bem sabemos que a carreira de Jim Carrei foi cimentada, em grande parte, na sua comédia física. E ainda que ele se esforce pra conter o seu impulso pro excesso em gesticular, talvez seja esse o seu melhor desempenho no cinema. A prova cabal de que Carrey rende muito quando bem dirigido. McGregor nos apresenta um Phillip Morris com sensibilidade, simpatia e vulnerabilidade. Destaque também para Rodrigo Santoro, que apesar das poucas aparições e falas, é o centro de uma das cenas mais bonitas do longa.

Seria demais afirmar que o filme é uma obra de arte. Ele não é perfeito. Mas é um história bonita e inteligente, que tem como pano de fundo um assunto que ainda é tratado de forma desajeitada (embora às vezes eficiente) pela indústria cinematográfica. Talvez seja mais estranho do que propriamente gay, evitando os temas trágicos de Brokeback Mountain, ou a melancolia estilizada presente em A Single Man, ou a agenda ativista de Milk. E é o que o torna especialmente cativante: a sua franqueza. Quando Steven diz a Phillip que vai jogar golfe com os colegas da empresa a sua reação é "Golfe? Mas você é gay!". O que temos aqui é uma boa tentativa de uma comédia leve em um fundo preto, com uma pitada de Billy Wilder, Ernst Lubitsch e Bill Forsyth - e que ainda assim consegue fazer de suas falhas algo interessante.

I Love You Phillip Morris! é uma história de amor do século 21 feita não só para adultos, mas para quem se preocupa com o sentimento humano. E deixa claro, de uma vez por todas, que o amor tem sua própria lógica estranha.

2046

2010-06-07T05:32:00.004-03:00

(2046 - Os Segredos do Amor, de Wong Kar-way, 2004)

No final de In the Mood for Love, Chow sussurra um segredo que morre em um dos buracos da parede de um templo cambojano. Quando o vemos novamente em 2046, percebemos do que é capaz o poder transformador do amor -- da maneira mais negativa possível.

Nesse nosso reencontro, Chow parece ter sido atropelado por um caminhão: a recusa de um convite culmina no final de seu relacionamento com a bela Su, e o torna visivelmente inapto (num futuro próximo ou não) a permitir-se um affair mais sério novamente. E é aí que mora o paradoxo... Enquanto In The Mood for Love foi um mergulho de cabeça na história de um relacionamento único e ambivalente, 2046 nos entrega um Chow cafajeste, que se relaciona -- quase sempre da pior maneira -- com as mulheres. E são quatro belos exemplares: a 'dama de companhia' Bai Ling (a estonteante Zhang Ziyi, perfeita), a 'dançarina' Lulu (ou Mimi), a jogadora Su Lizhen (a que destrói o coração do nosso rapaz no início da fita) e a jovem Faye Wong, filha do dono do hotel (e que namora um menino japonês, aliás, namoro esse que entrega a Chow a única dica autruísta do filme). Agora mistura tudo e me diz se não temos aí o entrecho perfeito pra criar e defender teses e mais teses sobre este pequeno tesouro -- que ao exemplo dos outros filmes de kar-Way, não é facilmente digerido --, por horas a fio?

E já que eu cantei a pedra: acho que 2046 é menos uma sequência e muito mais uma releitura dos temas que envolvem In The Mood for Love. Muito semelhante ao modo em que o personagem de Tony Leung transforma suas experiências pessoais com as mulheres num futurista mas reconhecível homólogo ficcional para o livro que ele está escrevendo -- um jogo de repetição interminável.

2046 é um típico Wong Kar-way: visualmente acachapante (culpa da fotografia sublime do genial Christopher Doyle), com toda a irregularidade de continuidade e montagem que se tornam sua marca registrada, e a habilidade inigualável de acertar em cheio na trilha sonora (nos entregando entre outros, Vicenzo Bellini e Nat King Cole), complementando de forma precisa o que salta aos olhos do espectador. Ás vezes parece difícil conceber que em meio a todo esse aparente 'caos' audiovisual, o diretor chinês consiga se encontrar e fazer, inexplicavelmente, tudo funcionar. Ou quase tudo... O filme por vezes parece se alongar demais. O que tornou o meu desejo por um desenrolar mais dinâmico urgente, afinal de contas, tenho o direito de querer guardar um pouco do meu estado de humor romântico-melancólico pra próxima produção do diretor, não é mesmo? E Kar-way não gostaria de acabar com todo o meu estoque já escasso, de jeito nenhum.

Noves fora, ao menos tenho certeza de que, embora eu tenha dificuldade em dizer por onde 2046 me fisgou exatamente, fica claro que foi uma das viagens mais fascinantes que tive o prazer em fazer. Um estonteante e 'desorganizado' ensaio sobre amores perdidos, saudade, dor e lágrimas -- e que não poderia ser mais exepcionalmente belo.

Joheun-nom, Nabbeun-nom, Isanghan-nom

2010-06-03T06:17:00.014-03:00

(aka The Good, the Bad, the Weird, Jee-woon Kim, 2008)

Seria insultar Leone se eu chamasse a fita de 'uma fusão ítalo-coreana', não é mesmo, minha gente? Talvez não quando a homenagem é despretenciosa. Aqui woon Kim (que emplacou três belezinhas na minha lista dos 25 mais: The Quiet Family, A Tale of Two Sisters e A Bittersweet Life) empresta todo o hype dos filmes de Indiana Jones ao cinema de Sergio Leone pra criar um western oriental que, ao contrário dos classudos filmes de Kurosawa, descamba muito mais pro lado pop superficial da coisa.

No filme, lançado em DVD o ano passado, somos apresentados a uma trupe -- um bandido sanguinário, um caçador de recompensas poser e um excêntrico ladrão de trens -- numa Manchúria ocupada pelos japoneses na década de 30. Todos em busca dum misterioso mapa do tesouro. Apesar de algumas semelhanças, woon Kim tá se lixando pro contexto histórico ou pra política. A regra máxima do diretor é fantasiar todo mundo de cowboy e orquestrar tudo como se fosse o proprio Enio Morricone -- o que resulta em explosivas sequências de ação muito bem coreografadas e dirigidas.

Talvez o que falte à fita é o peso mítico que Leone ou Kurosawa deram a suas epopéias pop, por exemplo. Sem esse elemento x, The Good, the Bad, the Weird (batizado de Os Invencíveis por aqui) não passa do "próximo blockbuster de verão que você certamente não deixará de ver". Depois de uma hora de projeção, a boa edição, o apuro visual e o caos habilmente coreografado (frutos da boa e confiante direção de woo Kim e dos ótimos efeitos especiais) passam a não fazer mais sentido. Seria como se alguém decidisse esticar um episódio engraçadão de Comichão e Coçadinha.

No fim, a gente acaba sentindo uma ponta de saudade de Três Homens em Conflito... Mas nada que torne a experiência menos divertida.

On air

2010-05-31T12:13:00.007-03:00

Nestas últimas semanas muita coisa andou passando pela minha cabeça... A mais bacana de todas foi a idéia que tive de voltar a falar (ou tentar falar) sobre cinema neste espaço aqui. Se por acaso vocês se deram o trabalho de olhar ao redor, puderam reparar que a casa tá de roupa nova, e que eu tô mesmo chamando toda a responsabilidade do conteúdo do blog pra moi -- a partir de agora, claro.

Mas... agora que arrumei a casa, não consigo pôr as idéias em ordem! E idéias em ordem, pro que eu me proponho aqui, minha gente, é tudo nessa vida. Medo! Eu tô bem enferrujado, e não tenho sido constante como a anos atrás com o cinema... ainda assim vou tentar, pro desespero de alguns.

Espero voltar com algo mais substancial que desabafos até o final da semana.

É bom estar de volta... Acho.

Novo Blog

2008-08-08T00:38:00.002-03:00

Pronto! Não demorou muito. Já está no ar o...

Dementia 13

Despedida...

2008-07-31T02:47:00.006-03:00

Muito bem, meus caros amigos, a verdade é que não sinto mais prazer nenhum em escrever sobre os filmes que eu vejo. Não quero ficar me justificando e nem gostaria de fechar o blog, mas já é segunda vez que desabafo o meu desanimo por aqui.

Um dos motivos é que o blog não é somente meu e nunca foi. Eu abri com um amigo, o Felipe Mappa, um excelente escriba, e que resolveu abandonar o blog há quase um ano, ou mais. Eu tenho carregado isso aqui nas costas como se fosse meu, mas eu nunca me senti a vontade. Tanto que já tentei abrir outros blogs, o Horror Express, o Cine Groove, mas manter dois blogs sobre o mesmo assunto é besteira. Sei que isso não é motivo pra abandonar um blog, mas perdi completamente o tesão de escrever para um domínio chamado Cine Art que era uma idéia de dois amigos cuja proposta já perdeu o sentido.

Hoje, eu me vejo na obrigação de postar alguma coisa apenas pra manter o blog atualizado ao mesmo tempo em que a falta de inspiração me atormenta e prejudica a qualidade dos meus textos, que nunca foram de boa qualidade. O fato é que pra escrever um texto medíocre como este aí em baixo de Cinturão Vermelho, eu gastei um tempo desgraçado. Antes eu escreveria algo do mesmo nível, mas em questão de minutos. Há meses que isso vem acontecendo, não é de agora. Não sei se é uma crise de inspiração, mas cansei.

Infelizmente, e escrevo com sinceridade, porque já são mais de dois anos que abrimos este espaço e quase cinco usando o mesmo nome, o Cine Art não voltará a ser atualizado por mim. Encerro aqui o “trabalho” que prestei na exteriorização da paixão que eu tenho pelo cinema e que se tornou um fardo. Se o Felipe quiser algum dia voltar a atualizar, eu ficaria grato e com certeza voltaria a colaborar aqui, pois tudo teria sentido novamente.

Com certeza não vou abandonar os blogs que eu visitava e nem mesmo conseguirei ficar muito tempo sem escrever, isso eu garanto, nem que seja um monte de porcaria como tem sido, mas definitivamente será em outro espaço. Eu aviso quando esse dia chegar.

Ronald Perrone

Cinturão Vermelho

2008-07-31T01:43:00.004-03:00

Cinturão Vermelho (2008), de David Mamet

Já que o Futebol brasileiro não anda muito bem das pernas, David Mamet coloca o Brasil como o país do Jiu-Jitsu, e talvez seja isso mesmo atualmente. Além de escalar atores brasileiros para compor o elenco, o entrecho gira em torno do esporte em questão, aliás, o próprio diretor é praticante, mas o que importa mesmo e o filme realmente concentra-se é na trajetória de Mike, um professor de Jiu-Jitson que possui uma integridade moral inabalável colocada à prova durante todo o tempo. Dívidas e corrupção são apenas dois itens de uma porção que o personagem enfrenta. A redenção vindo à base da porrada é algo meio estranho de se ver num filme que aparentemente caminhava por um outra direção, mas funciona muito bem, além de colocar de volta o nome do diretor entre os grande diretores do cinema independente americano.

Merchan: O Carranca

2008-07-30T12:14:00.006-03:00

Não sei se vocês se lembram do Carranca. Eu publiquei alguns textos dele aqui no blog e a sua intenção sempre foi de causar controvérsia tecendo suas opiniões negativas sobre os filmes que a maioria gosta. Agora ele ataca com um blog próprio e ninguém vai ser capaz de segurar o Carranca!

Quem quiser fazer uma visitinha, é só entrar aqui.

Punisher: War Zone

2008-07-28T16:08:00.003-03:00

Punisher: War Zone

Trailer

Beatrice Cenci

2008-07-28T14:30:00.010-03:00

Beatrice Cenci (1969), de Lucio Fulci

Dentre todas as obras cinematográficas cometidas pelo pai do gore, o diretor italiano Lucio Fulci, esta aqui era justamente a sua preferida, mesmo não tendo a mesma violência extrema de filmes posteriores nem ser do gênero que o consagrou, ainda assim, Beatrice Cenci não deixa de ser um de seus trabalhos mais perturbadores. A história se passa na Itália do séc. XVI onde Beatrice, a filha adolescente de um nobre senhor feudal é abusada sexualmente pelo próprio pai. Sendo assim, ela decide assassiná-lo com a ajuda de algumas pessoas, incluindo um criado interpretado pelo grande ator cubano Thomas Milian. O filme inicia após esses acontecimentos quando uma investigação, à base de tortura, por algumas vezes, é realizada para apurar o caso, o que permite uma incrível liberdade narrativa com o material. As cenas de tortura compensam um pouco a ausência de violência e gore habitual, mesmo que isso não seja uma falta, já que o filme inteiro é uma aula de direção, enquadramento e composições estéticas que explicam a obsessão do diretor com o próprio filme.

Cinzas Que Queimam

2008-07-25T11:36:00.006-03:00

Cinzas que Queimam (1955), de Nicholas Ray

Ray faz dois filmes dentro de um em Cinzas que Queimam. Logo no início, somos apresentados ao protagonista, o único de três policiais que se arruma para mais uma jornada de trabalho sem ajuda de uma esposa. Ele se arruma sozinho, não tem mulher nem filhos, é o policial solitário e amargurado pelo passado, típico herói do noir. A primeira metade de projeção, onde o tal policial, vivido por Robert Ryan, investiga um crime, o diretor constrói às bases do noir, com direito a todos os elementos caracteristicos, muitas ruas escuras, sombras estilizadas e uma direção primorosa que chega a utilizar de forma inusitada a câmera na mão em algumas seqüências. Até aqui já teríamos material suficiente para um ótimo filme.

Mas a instabilidade emocional do próprio personagem faz com que a narrativa tome outra direção e vá parar num cenário campestre, uma paisagem coberta de neve onde o policial é enviado e inicia ali um novo caso, uma outra investigação e um outro filme. Gradativamente, o noir já estabelecido cede lugar para um romântico melodrama policial com a entrada em cena de Ida Lupino, uma cega cujo irmão é procurado por um crime e por quem o policial se apaixona (pela mulher, não o irmão) e acaba revendo seus conceitos éticos na maneira de agir.

Essa catarse faz muito bem ao filme, que foge às regras do noir tradicional e torna-o belo. Ray possui domínio tanto nos ambientes urbanos sufocantes, quanto nas paisagens campestres a céu aberto. A direção de atores é ótima, eles próprios estão muito bem, principalmente Ida Lupino. Aliás, ela chegou a dirigir algumas cenas enquanto o diretor esteve doente, algo que não faz muita diferença no resultado, já que tudo funciona perfeitamente, até mesmo o final otimista imposto pelo estúdio.

Os melhores filmes do primeiro semestre!

2008-07-23T10:55:00.008-03:00

A Liga dos Blogues Cinematográficos já está preparando sua lista dos melhores filmes do primeiro semestre.
Como ainda não havia publicado a minha lista como fiz nos dois anos de existencia do blog, segue a lista que eu enviei pra Liga com os meus filmes favoritos em ordem de preferência:

1. Sangue Negro, de P. T. Anderson
2. Onde os Fracos não têm Vez, Ethan e Joel Coen
3. Antes que o Diabo Saiba que Você está Morto, Sidney Lumet
4. Senhores do Crime, David Cronenberg
5. A Espiã, Paul Verhoeven
6. 4 meses, 3 semanas e 2 dias, de Cristian Mungiu
7. Wall-e, Andrew Stanton
8. Paranoid Park, Gus Van Sant
9. Juno, Jason Reitman
10. O Gangster, Ridley Scott

House of Bamboo

2008-07-22T02:15:00.006-03:00

House of Bamboo (1955), de Samuel Fuller

Um dos filmes mais brilhantes de Fuller, principalmente porque ele parte de uma trama policial passada no Japão que justifique preencher todo o scope com imagens refinadas esteticamente que faz questão de filmar ao ar livre nas locações, nas ruas movimentadas de Tóquio em plena década de 50 (tornando-se o primeiro filme de Hollywood a filmar no local), ao invés de utilizar estúdio como era habitual, revelando um estilo de direção que ainda viria aparecer algum tempo depois na Nouvelle Vague francesa. Me agrada muito as cores cruas e a cinematografia realista de Joe MacDonald, principalmente nas externas.

Robert Stack interpreta um agente americano trabalhando sob disfarce em Tóquio para se infiltrar numa quadrilha chefiada por um ameicano, vivido por Robert Ryan, que está incrível como vilão. Aparentemente, Fuller queria Gary Cooper no lugar de Stack, mas a sua presença não deixaria de ser notada nas ruas de Tóquio por causa da fama consolidada. Mas Robert Stack, um ator menos popular serviu perfeitamente no papel do herói humanista Fulleriano.

E agora que aprendi a brincar de tirar screenshots, não pude resistir:

Batman - O Cavaleiro das Trevas

2008-07-20T03:57:00.008-03:00

Batman - O Cavaleiro das Trevas (2008), de Chistopher Nolan

Heath Ledger realmente estava no ápice de sua arte de interpretar e eu não ficaria surpreso se ganhar o Oscar pelo seu trabalho em O Cavaleiro das Trevas. Se é que podemos chamar a sua encarnação do Coringa somente de interpretação. Ledger vendeu a sua alma ao personagem. O que ele apresenta, desde a sua primeira aparição em cena (com a sádica mágica de fazer a caneta desaparecer) vai além dos limites da representação psicótica do mal. É um monstro cujas ações levantam dilemas morais diante de seus inimigos. Ao longo de todo o filme, ele concebe engenhosas situações que forçam Batman, o Comisário Gordon e o promotor Harvey Dent a tomarem impossíveis decisões de ética.

Jack Nicholson já era. Ledger definiu o Coringa para o cinema. Esperem no mínimo vinte anos antes de levar o personagem às telas de novo. Talvez até lá surja alguém com capacidade dar a vida por um papel como este.

Tirando o Coringa, o que resta em O Cavaleiro das Trevas é um ótimo de filme de ação que demonstra o amadurecimento de Nolan ao conduzir com maestria uma trama grandiosa, muito mais complexa que o habitual, repleta de personagens importantes que possuem o devido espaço durante a narrativa. Além disso, todas as idéias do diretor que deram certo e errado em Batman Begins, em relação à sua visão realista, entram em perfeita sintonia em O Cavaleiro das Trevas, criando um universo verossímil onde um homem fantasiado de morcego pode sair à noite para combater o crime.

Todas essas questões sobre verossimilhança e os desdobramentos da história com os personagens têm profundidade suficiente para mais uns 10 parágrafos. Recomendo o texto do amigo Leandro Caraça, que escreveu em seu blog as melhores impressões que eu li sobre o filme.

Watchman Trailer

2008-07-18T08:19:00.004-03:00

A graphic Novel Watchman, escrita por Alan Moore, é o tipo de material que deveria ser colocado num altar para que todas as noites acendam uma vela. Não posso julgar um filme que ainda não vi, mas até que o primeiro trailer da adaptação ficou interessante. Só espero que Zack Snyder não decepcione e entregue um filme que no mínimo justifique a adaptação.

Amantes Constantes

2008-07-18T01:16:00.004-03:00

Amantes Constantes (2005), de Philippe Garrel

Finalmente parei pra assistir o maravilhoso Amantes Constantes, filme de 2005 do francês Philippe Garrel. Embora seja o único filme acessível do diretor aqui no Brasil atualmente, Garrel iniciou sua carreira lá nos anos 60 com um estilo bastante peculiar ficando conhecido como um enfant terrible do cinema francês. Já consegui outros filmes do diretor via downloads pela internet, mas por enquanto fiquemos com os Amantes Constantes, uma belíssima obra de arte que me surpreendeu muito pela sua qualidade técnica e ousadia.

É uma experiência cinematográfica das mais significantes acompanhar este épico de quase três horas de duração sobre as manifestações de maio de 1968 em Paris vista pelo ponto de vista de vários personagens, mas em especial de um poeta vivido pelo filho do diretor, o ator Louis Garrel. Apesar de servir como excelente registro das manifestações, Garrel acaba desmistificando a representação do jovem revolucionário que após os momentos de revolta, são apresentados como pessoas de esperança duvidosa, ociosas e drogadas vivendo numa furada idealização artística.

Um dos principais atrativos é a riqueza visual filmada num preto e branco expressionista pelas lentes do cinematógrafo William Lubtchansky e, por vezes, acompanhada do piano minimalista de Jean-Claude Vannier recriando de forma realista e cristalina não só a ambientação de um período passado, mas uma narrativa quase documental sobre os desdobramentos das situações vividas naquele momento, principalmente o tratamento dado ao amor que nasce entre o poeta e a escultora nesse universo.

A câmera de Garrel trabalha admiravelmente acompanhando as evoluções sentimentais das quais os personagens se entregam, não somente os dois pombinhos, que é o maior leitmotiv da narrativa, mas todos os personagens em questão em suas andanças, conversas vazias, festas monótonas regadas de ópio e na dança alucinante ao som do The Kinks até chegar ao desfecho alegórico, melancólico e perfeito. O ritmo lento e a duração podem desagradar o espectador desavisado, mas é de uma ousadia grandiosa, já que dificilmente vemos nos dias de hoje um diretor com coragem de lançar um filme de três horas de duração, preto e branco e poeticamente lento como Garrel faz em Amantes Constantes.

Deep End

2008-07-15T19:01:00.003-03:00

DEEP END (1971), de Jerzy Skolimowski: Os filmes americanos dos anos setenta podem até serem responsáveis por desencadear uma das mais importantes explosões estéticas do cinema, mas um filme como o brilhante Deep End comprova que o cinema europeu nunca perdeu a força. Com tons de humor negro, trata com autenticidade temas sobre descobertas sexuais e do amor desenfreado sem nunca cair no senso comum dos filmes adolescentes americanos. Além de ser uma experiência estética fascinante acompanhar a câmera energética do diretor polonês Jerzy Skolimowski se movimentando pelas ruas atmosféricas de uma Londres cinzenta no inverno.

Um Mundo Perfeito (1993), de Clint Eastwood

2008-07-12T17:58:00.001-03:00

Galã de filmes convencionais, Kevin Costner me surpreendeu muito neste trabalho do velho Clint que, inicialmente, queria Denzel Washington como protagonista. Não seria tão surpreendente, já que a cara de bobo e o olhar distraído de Costner contribuíram bastante para o tom ambíguo que o seu personagem exigia, o que poderia soar caricato em Denzel.

O filme é um road movie onde Butch (Costner), um ladrão que escapa da penitenciária, acaba tomando como refém um garoto de uns 8 anos para garantir a sua fuga, o que leva à uma jornada onde bandido e refém estabelecem uma relação que evoca seus passados, toca dois universos diferentes e estrutura um filme muito mais complexo e interessante que aparenta ser.

Sem dúvida alguma, é um dos trabalhos mais maduros de Clint Eastwood que acerta em cheio ao colocar como peça fundamental a relação dos dois personagens. A estrutura narrativa que rege todas as situações entre Butch e o garoto é de uma sutileza que poucos diretores americanos teriam a sensibilidade de conceber.

Nas mãos de um Spielberg (que originalmente estava escalado para assinar a direção) poderia se considerar um desastre. Principalmente porque um dos temas que o filme aborda é justamente uma das obsessões do diretor de E.T.: trauma fraterno. Ambos os personagens centrais o têm. Mas enquanto Clint possui sabedoria e sutileza suficiente para abordar essas questões, spielberg já banalizou o tema em seu currículo.

Notas breves...

2008-07-08T02:01:00.008-03:00

Funny Games USA (2007), de Michael Haneke: Haneke realizou novamente um filme com força suficiente para chocar o público com as situações extremamente incômodas e com as inúmeras e delicadas questões que aborda (banalização da imagem, violência, etc), mas para quem já viu a versão original, não passa de uma reprise.

WALL·E (2008), de Andrew Stanton: A Pixar em seu ápice cinematográfico, tanto em termos de estrutura e linguagem narrativa quanto na explosão estética da animação em computação gráfica.

O Incrível Hulk (2008), de Louis Leterrier: Ainda não havia comentado sobre o filme. Não há duvida que centrar a narrativa na ação é muito mais cabível para os produtores cujo objetivo era de arrecadar mais moeda, diferente do Hulk psicológico de Ang Lee. E ainda funciona como ótima diversão.

Conan – O Bárbaro (1982), de John Millius: O grau de exigência com os filmes, com certeza aumentou desde a ultima vez que assisti essa belezura na infância. Revê-lo depois de tanto tempo superou todas as exigências. É tudo o que um Senhor dos Anéis da vida poderia ter sido, mas não conseguiu nem chegar perto.

F for Fake (1974), de Orson Welles: Em um de seus filmes mais pessoais, Welles vomita todo o desabafo que estava entalado desde que entrou no ramo das artes, manipulando um joguinho de "verdadeiro ou falso" com o seu público desnorteado de tanto vigor cinematográfico. F for Fake é apenas mais uma, dentre as tantas obras primas de um dos maiores diretores americanos.

The Addiction (1995), de Abel Ferrara

2008-07-06T01:13:00.005-03:00

Esta semana assisti essa belezura do Abel Ferrara, e apenas reafirmo que, provavelmente, se trata do seu filme mais metafísico-filosófico-religioso sobre o mal enraizado na natureza humana, tema que já faz parte do repertório de obsessões que o diretor explorou em muitos trabalhos. E mesmo se existissem vampiros (mas sei lá, vai que existe), definitivamente não seriam tão realistas quanto à abordagem de Ferrara sobre o assunto. Um dos melhores filmes do diretor.

Filmes de Junho

2008-07-04T00:24:00.002-03:00

Lista dos filmes do mês de Junho com revisões em negrito:

Robocop (1987), de Paul Verhoeven ****
Capacete de Aço (1951), de Sam Fuller *****
Baionetas Caladas (1951), de Sam Fuller ****
Profissionais do Crime (2001), Johnnie To e Ka-Fai Wai ***
Quem Bate a Minha Porta? (1967), de Martin Scorsese ***
Fim dos Tempos (2008), de M. Night Shyamalan **
O Incrível Hulk (2008), de Louis Leterrier ***
Funny Games USA (2007), de Michael Haneke ****
Cockfighter (1974), de Monte Hellman ****
Fausto (1926), de F. W. Murnau ****
Os Aventureiros do Bairro Proibido (1986), de John Carpenter ****
Conan - O Bárbaro (1982), de John Millius ****
F for Fake (1974), de Orson Welles *****
Zombie Strippers! (2008), de Jay Lee ***

Bainoetas Caladas (1951), de Samuel Fuller

2008-07-02T01:38:00.004-03:00

Mais um bom filme de guerra de Sam Fuller. O roteiro desta vez faz um estudo de personagens menos intenso em relação a Capacete de Aço, embora ainda seja um filme bastante psicológico. Basta acompanhar o drama do cabo (Richard Basehart) com fobia de responsabilidade. É a personagem mais humana, tanto em construção quanto em essência e seus conflitos mentais são lapidados à medida em que seus superiores são abatidos em batalha e acaba ficando responsável por todo pelotão.

Baionetas Caladas foi rodado no mesmo ano que Capacetes de Aço, ambos têm como pano de fundo a Guerra da Coréia, mas é justamente neste aqui que Fuller dá uma aula de como orquestrar seqüências de ação que garantem um clímax energético via montagem dinâmica e muitos closes expressivos, gerando um clima tenso que estrutura toda a narrativa durante o filme.

2008-06-26T03:21:00.005-03:00

Muito trabalho, projetos pessoais e da faculdade têm me tomado muito tempo, inclusive pra cuidar da criança aqui. A delonga foi por causa disso e peço desculpas por ficar mais de uma semana sem atualizar. Mas até que consigo ver um filme ou outro nos fins de semana, como essa belezura aí em baixo:

Cockfighter (1974), de Monte Hellman: Não chega ao nível de Two-Lane Blacktop, mas é tão bom quanto, e ainda prova que Monte Hellman teve crucial importância para o cinema independente americano nos anos 60 e 70. Cockfighter é uma obra subversiva que parte do conceito do homem em crise tentando superar seus limites trazendo um excelente Warren Oates encarnando um treinador de galos de briga.

As cenas dos galos se enfrentando violentamente em contraste com a frieza dos treinadores são impressionantes e causam um choque visual repugnante, embora reze a lenda (segundo o nosso amigo Leandro Caraça) de que Hellman se recusou a filmar as cenas dos galos brigando e o produtor Roger Corman chamou o diretor Lewis Teague pra fazer o trabalho sujo.

Mas o melhor de Cockfighter é a presença de Oates como protagonista. Sua personagem faz voto de silêncio depois de ouvir que fala e bebe demais e durante quase toda a projeção carrega o filme com expressão corporal e muita presença, agindo sempre em silêncio para atingir seus objetivos da mesma forma que seus galos de briga. Oates foi um dos atores mais virtuosos que já entrou na frente de uma câmera, sem sombra de dúvida (e é uma pena ser tão esquecido pela nova safra de cinéfilos).

Fim dos Tempos (2008), de M. Night Shyamalan

2008-06-18T00:01:00.005-03:00

Talento e incompetência parecem caminhar juntos quando se trata de M. Night Shyamalan. Em Fim dos Tempos idéias geniais são estragadas na execução por conta de escolhas que ele faz, como a carga dramática imposta à narrativa sem ter a mínima noção de como fazer, transformando tudo num poço de sentimentalismo que provoca vergonha alheia com os bons atores desperdiçados (cadê o Mark Whalberg de Os Infiltrados?) expressando diálogos absurdos encenados num universo de detalhes medíocres que só engordam o entrecho.

Em determinada sequencia a câmera dentro do carro com um olhar subjetivo constrói um clima de suspense interessante mostrando escadas encostadas nas árvores enquanto o veículo vai adentrando a pequena cidade até revelar os corpos das pessoas que se enforcaram. Mas toda a atmosfera que Shyamalan cria é quebrada abruptamente com um estrondo da trilha sonora com o simples objetivo cretino de induzir o susto na platéia. Um artifício ridículo de um diretor que não confia na própria imagem.

E tudo isso é uma pena porque nas mãos de um diretor mais inteligente, o mesmo material, provavelmente, soaria menos constrangedor.

Stan Winston

R.I.P.
1946 | 2008

Capacete de Aço (1951), de Samuel Fuller

2008-06-13T01:31:00.003-03:00

Sob o comando de outro diretor, daria pra fazer de Capacete de Aço uma enxurrada de sentimentalismo que encheria os olhos do público e engrandeceria os soldados americanos em plena Guerra da Coréia. Ao invés de todo esse clichê, Sam Fuller entregou um melancólico e seco estudo de caráter humano onde o cenário da guerra é apenas um motivo para que as personagens sejam cuidadosamente apresentadas, exploradas e desenvolvidas ao máximo para extrair toda tridimensionalidade concreta diante da tela. Na verdade, nem existe aqui uma história definida com início, meio e fim, mas sim uma jornada que leva a um templo budista onde se passa quase toda projeção, um lugar que transcende o ambiente de guerra e dá um tom onírico que transforma o filme num exercício visual de sonho.

Mas o melhor, provavelmente, é a maneira como Fuller constrói o relacionamento do sargento (Gene Evans) com o garotinho coreano, mantendo a distancia correta sem nunca degringolar para o sentimentalismo barato ao mesmo tempo em que possui força suficiente para segurar a emoção até do espectador mais insensível.

Filmes de Maio

2008-06-08T10:35:00.004-03:00

Lista do mês de Maio com revisões em negrito:

Horas de Desespero (1990), de Michael Cimino ***
Heaven’s Gate (1980), de Michael Cimino ****
Death Race 2000 (1975), de Paul Bartel ***
Homem de Ferro (2008), de Jon Favreau ***
Speed Racer (2008), de Andy e Larrry Wachowski ***
A Montanha dos Sete Abutres (1951), de Billy Wilder ****
Viver e Morrer em Los Angeles (1985), de Willian Friedkin ****
Parceiros do Crime (1980), de Willian Friedkin ****
The Bank Job (2008), de Roger Donaldson ***
Doomsday (2008), de Neil Marshall ***
Viagem ao Mundo dos Sonhos (1985), de Joe Dante ***
Cat People (1982), de Paul Schrader ****
Colossus 1980 (1970), de Joseph Sargent ****
Flesh for Frankenstein (1973), de Paul Morrissey ***
Prince of Darkness (1987), de John Carpenter ****
Indiana Jones e o Reino da Caveira de Cristal (2008), de Steven Spielberg ***
Last Days (2005), Gus Van Sant ****
Les Chansons D’Amour (2007), de Christophe Honoré ***

Les Chansons D'Amour (2007), de Christophe Honoré

2008-06-04T11:07:00.006-03:00

Belo exemplar de cinema parisiense. Enfatizo Paris porque é difícil de imaginar Les Chanson D’Amour em outra cidade. Christophe Honoré filma as ruas parisienses de maneira inspirada, uma mistura de imagens realistas - como as dos créditos iniciais - com a Paris cinematográfica de Demy, Truffaut e Godard. Este último aliás, é alusão para o romance moderno vivamente explorado pelo diretor, principalmente com Uma Mulher é uma Mulher, embora o tema do relacionamento à três seja tratado aqui com mais detalhes improváveis para a década de 60. Honoré realiza um cinema de referencias buscando desenvolver seu próprio cinema cujas marcações imprevisíveis tornam Les Chanson D’amour sublime, como substituir e expressar musicalmente os sentimentos óbvios do amor, morte e perda, ao invés de encená-los com a artificialidade hollywoodiana ou como a Paris filtrada serve de cenário para momentos musicais onde os próprios atores cantam com um realismo não convencional.

Cruising, aka Parceiros do Crime (1980), de Willian Friedkin

2008-05-31T20:53:00.005-03:00

Al Pacino vive um policial que trabalha sob disfarce homossexual para investigar e prender o responsável pela onda de assassinatos de boiolas que assola a cidade e que anda saindo na primeira página dos jornais pelas manhãs. Mas para o diretor Willian Friedkin o que interessa mesmo é a incursão que o personagem faz pelo submundo hardcore gay e como tudo isso afeta o seu psicológico, ou seja, é o típico caso que o cabra vai ter que sentar no divã quando tudo acabar se não vai acabar jogando no outro time, embora isso fique apenas na ambigüidade, o que de certa forma acabou com as chances comerciais do filme. Melhor para os fãs do diretor que acabou apresentado um material subversivo e perturbador cheio de imagens homoeróticas desconfortáveis, como na cena surreal do negão de cueca e chapéu que dá um tapa na cara do protagonista. E é preciso admirar o trabalho de Pacino ao se comprometer com um projeto como este. Provavelmente uma das atuações mais elaboradas de sua carreira, sem os excessos agressivos que lhe deram fama, mas um desempenho complexo, intimista que me impressionou bastante.

Sydney Pollack

2008-05-28T11:43:00.005-03:00

Pois é, ele fez algumas coisas boas também...

R.I.P
1934 | 2008

Prince of Darkness (1987), de John Carpenter

2008-05-26T02:22:00.007-03:00

Este exercício de gênero, provavelmente, é um dos trabalhos mais assustadores de John Carpenter, que retorna com o esquema do espaço limitado para acentuar o clima de suspense. Basta lembrar-se de Assault on Precinct 13, The Thing ou da igreja em The Fog. A igreja, aliás, é o cenário de Prince of Darkness onde uma equipe de alunos e professor são convocados por um padre para estudar uns antigos manuscritos religiosos e um cilindro contendo um conteúdo verde de sete milhões de anos. Todos estes artefatos se encontram na tal igreja abandonada e eram segredos guardados por uma sociedade católica.

Interessante é ver como Carpenter explora a idéia do caos - que poderia levar ao fim do mundo - numa situação menor, com poucos indivíduos envolvidos, em um único cenário, e têm toda a responsabilidade nas mãos de salvar o mundo da destruição (sem apelar para as catástrofes hollywoodianas). Por isso não deixa de ser um exercício de gênero carregado de elementos do cinema fantástico como zumbis possuídos, ficção iconoclasta e viagem no tempo, detalhes que Carpenter se aproveita com criatividade no uso das trucagens, na forma como utiliza os espaços dos cenários para criar a sensação de enclausuramento e na sacada dos vídeos/mensagens das imagens do futuro que aparecem como sonhos para os habitantes da igreja.

Cat People (1982), de Paul Schrader

2008-05-22T14:58:00.006-03:00

Em 1942, ano da primeira versão de Cat People (dirigido por Jacques Tourneur), a história tinha peso suficiente para impressionar o público, algo que não teria o mesmo efeito no público mais moderno de 40 anos depois. Em sua refilmagem, o diretor Paul Schrader resolveu imprimir um estilo condensado na imagem visual e no teor erótico para segurar o público oitentista. Schrader é mais conhecido pelos seus roteiros (Táxi Driver, por exemplo), como diretor é um verdadeiro artesão e conta a história com extrema beleza cinematográfica, utilizando tons fortes, atmosfera carregada com elementos de terror (e gore) e um ar onírico que separa os níveis de fantasia e realidade da trama. Mas a essência de tudo se encontra em Nastassja Kinski representando seu papel com presença, muita sensualidade e excessos dosados que a torna a própria pantera em forma humana. Difícil encontrar outra atriz que desempenhasse o papel de forma tão instintiva (recentemente aconteceu o mesmo caso com Asia Argento em Boarding Gate, de Olivier Assayas). No Brasil, o filme recebeu o título de A Marca da Pantera.

Enquanto isso...

2008-05-21T00:14:00.007-03:00

...Dario Argento vai preparando Giallo, uma das obras mais aguardadas dos próximos anos.

2008-05-18T11:08:00.005-03:00

The Bank Job (2008), de Roger Donaldson: Não sei se vocês sabem, mas duas coisas que eu tenho fetiche no cinema são pôsteres e filmes de ação policial dos anos 70. Foi amor à primeira vista quando vi a arte setentista no pôster do filme e sem nem saber do que se tratava ou quem era o diretor, coloquei pra baixar, antes de procurar essas informações. Mas o tom anos 70 impresso no pôster e na recriação de época para por aqui. The Bank Job é bem modernão em termos de direção, ritmo, trilha sonora, fotografia e roteiro, detalhes que remetem, em alguns momentos, aos filmes de Guy Ritchie. E não vejo problema algum nisso, já que se trata de um dos melhores exemplares do subgênero assalto a banco dos últimos anos.

Doomsday (2008), de Neil Marshall: Terceiro longa do diretor de Dog Soldiers e Abismo do Medo, este novo trabalho de Neil Marshall chupa as idéias principais de Mad Max, de George Miller e Fuga de Nova York, de John Carpenter (não chega a ser coincidência dois personagens se chamarem Carpenter e Miller) para dar uma atualizada no universo dos filmes pós-apocalípticos, da mesma forma que os italianos faziam na década de oitenta. A única pretensão de Doomsday parece ser contextualizar os elementos do subgênero e saciar a sede de sangue dos fãs do gore. Marshall ignora todas as questões existencialistas que poderia abordar para ressaltar a sua filosofia do sangue, das mutilações, contagem de corpos, etc. O filme peca pelo excesso de informações apresentadas com pressa exagerada. Como se a escolha do diretor fosse de fazer um filme curto, mas aproveitando todas as idéias possíveis. O resultado é um filme gordo sem base pra tanto, mas não deixa de divertir com a ação alucinante que compensa as falhas.

8 Angry Men

2008-05-16T23:48:00.006-03:00

No Orkut existe uma comunidade chamada Cinéfilo Doentes, do qual eu faço parte. No mês passado, surgiu a idéia de se criar um espaço para que os membros publiquem resenhas dos filmes que assistem segundo determinado tema. Foi assim que surgiu o 8 Angry Men. Visual ainda bem simples, textos amadores (inclusive há um meu), mas todos apaixonados pela sétima arte.

Convido aos frequentadores daqui, que dêem uma conferida no material. O primeiro tema é Westerns Subestimados. Eu colaborei com as resenhas de Os Quatro do Apocalipse, de Lucio Fulci e Quando os Brutos se Defrontam, de Sergio Sollima.

O Túmulo dos Vagalumes (1988), de Isao Takahata

2008-05-14T22:49:00.008-03:00

Filmes de guerra geralmente são recheados de explosões, tiroteios, víceras e muitos cadáveres. Uns se esforçam para mostrar esses horrores de forma poética como Além da Linha Vermelha, outros mais dramáticos como A Lista de Schindler, porém poucos fazem de maneira tão comovente como Túmulo dos Vagalumes. Antes de falar sobre o filme, vale ressaltar o fato do mesmo ser uma animação japonesa. Talvez isso crie uma certa repulsa em alguns, por sempre acharem que desenhos são para crianças. Mas a experiência de assistir Túmulo dos Vagalumes não seria a mesma se fosse com atores de verdade. O filme conta a história de Seita e Setsuko, dois irmãos que perdem a mãe durante os constantes ataques aéreos norte-amercianos ao Japão. O primeiro é um adolescente responsável e ao mesmo tempo despreocupado, a segunda é uma menininha de uns 4 anos de idade. O filme já começa com um clima bastante carregado, mostrando Seita em seus últimos segundos de vida, perecendo de fome. No decorrer do filme o espírito dele nos acompanha com breves comentários e explicações sobre como as coisas aconteceram. Spoilers à parte, a história choca do início ao fim, conseguindo emocionar o mais durão dos marmanjos. Faço das palavras de Roger Ebert as minhas, é um filme obrigatório em qualquer lista de melhores filmes de guerra. Não se deixe enganar pelo visual e confira essa preciosidade que não poderia vir de outro estúdio a não ser o Studio Ghibli, cujo diretor é ningém menos que Hayao Miyazaki.

Texto escrito por Monsenhor, que já colaborou com mais frequencia por aqui em tempos remotos...

Speed Racer (2008), de Andy e Larry Wachowski

2008-05-12T08:30:00.005-03:00

Parece até que o blog entrou em clima de blockbuster, mas daqui a pouco volto a falar de filmes de arte e cult movies de terror e cinema de gênero, porque não dá pra ficar indiferente diante desta divertida experiência sensorial que é Speed Racer. É cinema da magia do espetáculo, o que não é de se desprezar já que representa o cinema em sua essência moto-visual-sonora. Um delírio de transposição cinematográfica do famoso desenho – não cheguei a ver quando passou na TV aberta, mas não perdia um episódio quando passava no Cartoon Network há uns dez anos atrás – e para os fãs, um deleite vislumbrar os personagens em carne e osso fielmente adaptados e acompanhar as seqüências de corrida com o Speed, o Corredor X e uma trupe de estereótipos canastrões idênticos aos do desenho. O padrão visual é uma verdadeira masturbação cromática luminosa psicodélica superficializada em prol de uma estilização extrema de encher os olhos, embora tanto efeito sintético não agrade a todos. Mas é um produto interessante que diverte a moçada e serve de veículo para os irmãos Wachowski experimentarem mais uma vez o uso de efeitos visuais que vão influenciar uma penca de filmes nos próximos anos.

2008-05-10T18:22:00.004-03:00

Ando completamente frustrado e sem inspiração pra falar sobre qualquer coisa a respeito de cinema...

Nunca escrevi bem, tenho consciência, mas pelo menos havia a vontade de dividir algum assunto sobre os filmes que vejo.

Mas que fique bem claro que não abandonei o recinto ainda!

Homem de Ferro (2008), de Jon Favreau

2008-05-04T14:58:00.007-03:00

E lá fui eu com a minha pequena na sessão da meia noite achando que estaria vazia. Não teve jeito. Oficialmente, deu-se início à temporada 2008 de Blockbusters para a alegria da moçada bonita que se propõem a lotar os cinemas, desembolsar 16 mangos para 2h de puro entretenimento desmiolado... e eu lá, fazer o que? eu gosto! Mas algumas produções além de encher os bolsos dos produtores de moedas, conseguem até mesmo divertir o espectador mais exigente. É o caso do Homem de Ferro, uma das melhores adaptações de HQ’s para as telonas e o primeiro filme produzido inteiramente pela Mavel. Uma das grandes sacadas foi a escolha de Robert Downey Jr. para protagonizar a aventura dando vida a um personagem nada convencional do mundo das adaptações. Tony Stark não é um nerd excluído dos grupos populares tentando descolar uma garota, nem é transformado em retardado como em algumas produções recentes da Marvel. Desta vez, o herói é um milionário playboy, arrogante, orgulhoso, sarcástico e um gênio inventor dono de uma das maiores fábricas armamentistas, as Industrias Stark. Carismático, o desempenho de Downey, com seus excessos de expressões e maneirismos, é um dos fatores primordiais para o sucesso do filme e garante um grau de enriquecimento para seu personagem. Todo o elenco está ótimo e Jeff Brigdes está genial e assustador com o aspecto de seu Obadiah, um dos sócios das Industrias Stark. Eu não sou um profundo conhecedor do Homem de Ferro, apesar de ter lido muita coisa quando era moleque. O roteiro dá uma atualizada na origem do herói levando a ação para o Afeganistão em vez do Vietnã das HQ’s. Além disso, existem nítidas referencias políticas a serem analisadas, mas que nada afetam o ritmo para o público que só quer ver ação. A direção ficou nas mãos de Jon Favreau que até então, só havia feito filmes bobinhos como Zathura e Um Duende em Nova York (aff!), mas sua visão está bem próxima do que se espera de uma digna adaptação, apostando na fidelidade dos quadrinhos e efeitos especiais interessantes capazas de recriar todo o mundo tecnológico que rodeia Tony Stark, principalmente seu trage, que é a armadura mais interessante do cinema desde Robocop – O Policial do Futuro. Homem de Ferro cumpre muito bem o seu papel de entretenimento visual, diversão que prende do início ao fim com ótimos momentos de humor, trilha sonora bacana e um duelo supimpa entre o herói e seu inimigo, o Monge de Ferro, embora este nome não seja mencionado. E esperem até o fim dos créditos para uma surpresinha básica...

Diário dos Mortos (2007), de George A. Romero

2008-05-03T00:30:00.005-03:00

Em 1968, George Romero realizou o zombie movie definitivo: A Noite dos Mortos Vivos, um clássico do horror copiado, parodiado e homenageado à exaustão ao longo dos anos. Durante as décadas seguintes, o diretor se firmou como o pai dos zumbis realizando mais três obras primas do gênero, sempre levantando críticas e provocando discussões que tocariam na cultura e no modo de vida americano, além do simples estudo das relações humanas em situações extremas. Em Diários dos Mortos, fita que não faz parte oficialmente da quadrilogia dos mortos, mas possui o que há de melhor dos elementos já utilizados em seus zombie movies posteriores, Romero toca na questão atualíssima da obsessão pelo registro de fatos. No meio das filmagens de um filme de terror, vários estudantes e seu professor ficam sabendo da bizarra notícia de que os mortos estão se levantando. Jason, o diretor do filminho resolve ligar sua câmera e capturar ao máximo todos os acontecimentos durante a jornada de volta aos seus lares. O problema é justamente a obsessão desse registro, já que Jason não para de filmar nem nos momentos de perigo enquanto seus amigos se preocupam em sobreviver desesperadamente dos ataques dos zumbis. Romero novamente não revela de onde surgiu o fenômeno que vem causando o caos na humanidade. A melhor explicação ainda é aquela de O despertar dos Mortos (1979), quando um dos personagens diz que quando o inferno estiver cheio, os mortos caminharão sobre a terra. Diário dos Mortos também utiliza a linguagem da câmera subjetiva, além de outras formas de mídia como vídeos na internet, câmeras de segurança, etc. Mas é incrível o resultado alcançado que ao invés de buscar realismo nas situações como em Cloverfield ou [REC], o filme de Romero se aproxima ainda mais da ficção, da atmosfera superficial dos filmes de zumbis e como tudo isso funciona perfeitamente para enfatizar ainda mais a sua análise do homem com uma câmera e a obsessão pelo registro! Neste sentido, Diário remete mais a Redacted de Brian de Palma, e não é só neste ponto que Romero demonstra lucidez. Aos 68 anos, o experiente cineasta ainda possui uma liberdade criativa invejável na utilização da violência explícita com muito sangue e vísceras, tudo num clima de Road Movie apocalíptico. Diário dos Mortos também é a volta de Romero à raiz com uma produção independente e um orçamento discreto, diferente da superprodução Terra dos Mortos, e mesmo experimentando uma linguagem nova, a essência continua intacta.

Filmes de Abril

2008-05-02T00:13:00.004-03:00

Segue a lista do mês de Abril com revisões em negrito:

Boarding Gate (2007), de Olivier Assayas ****
A Honra do Poderoso Prizzi (1985), de John Huston ****
Jumper (2008), de Doug Liman **
A Invasora (2007) de Alexandre Bustillo e Julien Maury ****
Two-Lane Blacktop (1971), de Monte Hellman *****
5 Bambole per la Luna D’Agosto (1970), de Mario Bava ***
[REC] (2007), de Jaume Balagueró e Paco Plaza ***
Olhos de Serpente (1993), de Abel Ferrara ****
Nos Calcanhares da Máfia (1984), de Stuart Rosenberg ****
Blood for Dracula (1974), de Paul Morrissey ****
Deep Throat (1972), de Gerard Damiano ***
Colors (1988), de Dennis Hopper ****
Ilsa, She Wolf of SS (1975), de Don Edmonds ***
Miami Vice (2006), de Michael Mann *****
I Spit on your Grave (1978), de Meir Zarchi ***
Elefante (2003), de Gus Van Sant ****
Calvaire (2004), de Fabrice Du Welz ****
Diário dos Mortos (2007), George A. Romero ****

Mais horror europeu...

2008-04-30T01:06:00.006-03:00

Além de A Invasora, terror francês que comentei por aqui há algumas semanas, outros ótimos filmes de terror europeu me surpreenderam por esses dias:

[REC] (2007), de Jaume Balagueró e Paco Plaza: Zombie Movie espanhol que inicia quando uma repórter de TV, Ângela, e seu cameraman, Pablo, visitam um departamento de bombeiros para realizar uma matéria sobre esta profissão. Quando soa o alarme, os dois acompanham os bombeiros responsáveis pela chamada até um prédio onde a polícia já se encontra em cena e quase todos os moradores estão na portaria.

A coisa fica feia quando uma mulher em um apartamento ataca um dos policiais enquanto Pablo e Ângela gravam tudo. Na tentativa de sair do prédio para levar o ferido, eles são impedidos e o edifício fica bloqueado prendendo todos os residentes, os repórteres, policiais e os bombeiros do lado de dentro sem qualquer explicação.

O filme todo é acompanhado pela câmera subjetiva de Pablo. É a linguagem que está em voga no momento, principalmente para filmes de terror, como foi em Cloverfield e o novo filme do George Romero. Embora este tipo de montagem renuncie elementos que poderiam fornecer uma atmosfera mais densa, é uma forma interessante de narrar os fatos absurdos com certo realismo e veracidade.

Calvaire (2004), de Fabrice Du Welz: Este filme belga não é algo que podemos elogiar pela originalidade. Já se viu diversas vezes a premissa de um protagonista que, por determinado motivo, acaba no meio nada e enfrenta dificuldades maiores do que previa por conta de um louco que o torture, ou abuse sexualmente ou faça qualquer tipo de maldade física ou psicológica.

No caso de Calvaire, um artista itinerário que viaja para a próxima cidade onde vai alegrar os corações de velhinhas com suas canções de amor, acaba ficando no meio do caminho quando seu carro quebra nos arredores de uma vila. Ele se hospeda em uma pousada onde Bartel, o excêntrico dono do local, o recebe.

Existem muitas referencias à Massacre da Serra Elétrica e uma pitada de Straw Dogs e Deliverance, mas Calvaire não é tão desprovido de originalidade. Por trás de sua superfície, existe toda uma história de amor pervertida de um homem doente. É um estudo perturbador da insanidade humana. Além disso, é brilhante a forma como Du Welz conduz tão pouca história desdobrando-se numa exploração de personagens bizarros, alusões pseudo-religiosas e imagens de forte impacto visual.

Colors (1988), de Dennis Hopper

2008-04-26T03:15:00.005-03:00

Ótimo filme policial dos anos 80 dirigido pelo ator/diretor Dennis Hopper (aqui somente atrás das câmeras). Sean Penn e Robert Duvall fazem os papeis "policial jovem" e "policial experiente", tendo como cenário uma Los Angeles pichada pelas cores das gangues. Todos os elementos - desde o roteiro de Michael Schiffer a fotografia de Haskell Wexler, até a música de Herbie Hancock – combinam perfeitamente para proporcionar autenticidade ao material. Mas a cereja do bolo é o contraste dos personagens de Penn, com seu modo agressivo e até certo ponto sádico de agir, e o jeito tranqüilo e calculado de Duvall. Os dois estão excelentes. Penn em inicio de carreira demonstrando que viria a ser um dos maiores atores americanos e o velho Duvall, já naquela época vencedor de um Oscar e com um currículo cheio de preciosidades. E ainda há a direção de Hopper (que não é muito lembrado por esse ofício de diretor), subestimada pela continuidade narrativa desconexa que na verdade reforça o drama dos personagens em todas as vertentes da trama e ainda dá um charme à obra.

The Mechanic, aka Assassinato a Preço Fixo (1972), de Michael Winner

2008-04-23T00:02:00.009-03:00

The Mechanic é um dos melhores filmes da parceria entre o diretor Michael Winner e o ator Charles Bronson. É também um dos menos conhecidos. Os dois fizeram um amontoado de filmes bacanas na década de 70 e 80, entre eles a série Desejo de Matar que Winner dirigiu até o terceiro capítulo e deu ao seu protagonista um certo status dentro de seu nicho. Charles Bronson foi sinônimo de cinema de ação de qualidade na época e merecia essa notoriedade, embora muita gente ainda o subestime como ator.

Inicialmente, haviam pensado em Cliff Robertson para papel de Arthur Bishop que, graças a Deus, ficou com Bronson. Robertson é ótimo ator e muitos outros também poderiam ter feito o personagem, mas para Bronson serviu como uma luva, pois é justamente no seu estilo de atuar (que seus detratores tanto detestam) que vem todo o charme que o personagem exigia para deixar marcas. Sua limitação em se expressar, transmitir sentimentos e até a forma como joga o cabelinho de lado são detalhes que ajudam a compor uma persona que nenhum outro ator conseguiria.

Arthur Bishop é um homem complexo. Ele tem tudo que quer e pode fazer o que quer. Mora numa bela mansão, possui bastante tempo para praticar esportes, beber um bom vinho, ouvir música clássica e planejar seu próximo assassinato. Ele é o melhor nessa profissão. Suas mortes são verdadeiras obras primas da frieza humana. Mas é um homem solitário, deprimido. Em determinada cena, ele paga uma prostituta (Jill Ireland, que foi casada com Bronson) para lhe escrever uma carta de amor, apenas pra se sentir apegado por alguém. Esse tipo de atitude demonstra todo estado de espírito de Bishop.

Outro detalhe interessante que demonstra a sua frieza é o encontro com Harry McKenna, um sujeito que foi amigo de seu pai e que trabalha na mesma organização que ele. Harry pede que Bishop tente convencer os superiores de livrar a sua cara, já que, por algum motivo, seu nome está sujo com a organização e Bishop tem uma certa moral com os criminosos porque seu pai era um dos conselheiros mais influentes da organização. No mesmo dia, Bishop recebe o pacote contendo as informações de seu próximo alvo, que é ninguém menos que Harry.

Da mesma forma como sempre fez, traça seu plano e mata com tranqüilidade sua vítima sem deixar qualquer resquício de amizade atravessar o caminho. Seu método de trabalho é dos mais surpreendentes. É pra entrar no grupo de melhores matadores profissionais da história do cinema. Nada de agir como “cowboy”, que significa matar a vítima rapidamente com um disparo ou algo nesse sentido. Seu método envolve paciência e análises calculadas que fazem de tudo para que os resultados pareçam mortes naturais. Como o ataque cardíaco que provocou em Harry.

Uma das únicas coisas na vida que ainda lhe dá prazer, e se orgulha muito disso, é seu trabalho. Por isso, nada impede que o realize, mesmo que precise continuar sendo o homem amargurado que é. Mas a situação muda no funeral de seu amigo, quando reencontra o filho do morto, Steve (Jean Michael Vincent, que é um péssimo ator!) e detecta alguma simpatia pelo rapaz, provavelmente sente um saudosismo em relação a sua própria juventude.

Já Steve enxerga uma figura madura em Bishop. Uma admiração muito forte. Algumas trocas de olhares fazem até parecer outra coisa e no mal sentido. Quando assisti com meu pai, ele soltava umas expressões do tipo, “Esse Charles Bronson ‘tá’ muito viado”. E eu tinha que explicar que não é bem assim. Que é mais uma admiração no sentido de preencher algum vazio de suas almas. Bishop exerga sua juventude no garoto enquanto Steve vê uma figura paterna que não teve enquanto seu pai estava vivo. Mas aí o meu velho achava mais ainda que eles fossem homossexuais. Mas tudo bem.

Antes de acabar o funeral, os dois saem e realizam uma jornada de descobertas. Bishop percebe o comportamento frio do rapaz em relação à morte do pai e de outras situações. Em uma seqüência, Steve assiste, sem mexer um dedo pra impedir, sua namorada cortar os pulsos. Logo, Bishop percebe que o rapaz serviria como um ótimo substituto. E Steve acaba descobrindo a profissão de Bishop e o interesse deste em colocá-lo no ramo. O rapaz aceita ingressar na profissão de mecânico, termo utilizado para definir os matadores de aluguel.

Aqui no Brasil o filme recebeu o nome de Assassinato a Preço Fixo, mas como comentou sabiamente o Felipe M. Guerra em sua crítica para o site Boca do Inferno, o preço dos assassinatos nunca é mencionado então como sabemos se é fixo? Por isso, prefiro chamar o filme de The Mechanic mesmo, que é o título original. De qualquer forma, Bishop coloca o rapaz em um programa de treinamento super rápido para se tornar um mecânico. O roteiro não trata com muita profundidade dessa relação de professor aluno. Ao invés, tenta criar de uma vez, rápidas seqüências de ação para quebrar o ritmo paradão que o filme possui, pois a verdadeira ação neste filme é psicológica.

Um alvo chega por encomenda e logo Steve vai poder fazer seu primeiro trabalho junto com seu mentor. Durante a ação, algo dá errado e Bishop precisa resolver a burrada do garoto. Melhor para o publico que vislumbra uma ótima seqüência de perseguição de motos. Entretanto, a organização criminosa fica furiosa pela bagunçada operação, e começa a questionar a competência de Bishop. Sendo assim, resolve mandá-lo para uma operação de urgência na Itália tendo que fazer no estilo Cowboy de matar que Bishop tanto detesta. Ao mesmo tempo em que desconfia deste trabalho urgente, ele descobre provas indicando que Steve já teria seu primeiro alvo, o próprio Bishop.

Michael Winner foi um dos bons (entre muitos) diretores de ação policial nos anos 70. Hoje não é muito lembrado, infelizmente. Talvez se não tivesse recusado Operação França ou a refilmagem de King Kong tudo seria diferente. Em The Mechanic, ele administra muito bem o ritmo, principalmente nas seqüências de ação, como a já citada perseguição de motocicleta e o grande final onde o tiro come solto nas paisagens italianas. Winner, geralmente era o editor de seus filmes, mas sempre com o pseudônimo Arnold Crust.

The Mechanic é lento para um filme de ação, mas muito bem pensado. E possui excesso de diálogos para um ator como Charles Bronson. Embora os geniais 16 minutos iniciais não tenham uma fala sequer. Apenas a elaboração perfeita de um assassinato realizado por Bishop, um dos melhores personagens desenvolvidos por Bronson. E ainda assim, quando o filme exagera nos diálogos, Bronson consegue demonstrar segurança em expressar as angustias do personagem tão bem quanto dizer suas falas.

O cinema de Andy Warhol

2008-04-20T00:39:00.011-03:00

Blood for Dracula (1974), de Paul Morrissey: Na verdade Warhol apenas produziu. Acho que título do post deveria ser “O cinema de Paul Morrissey”, que foi o roteirista e diretor do dito cujo aqui. Mas com certeza o nome do famoso artista plástico chama mais a atenção. Warhol e Morrissey fizeram outras parcerias, incluindo Flesh for Frankenstein, que eu ainda não vi, mas já estou providenciando. Blood for Dracula é uma variação atípica da criação de Bram Stoker. É um Drácula que sai durante o dia, embora seja um tanto frágil à luz, não tem problema em pegar ou ver cruzes, mas não gosta delas, não come alho e o único sangue que bebe é de virgens.

O filme inicia na Romênia dos anos 30 com Udo Kier, ainda novo, vivendo um Conde Dracula exótico, moribundo, fraco e necessitado de sangue já que não consegue arranjar virgens para chupar o cangote. É então convencido pelo seu criado, Anton, o estranho Arno Juerging, para ir à Itália, país religioso que preza pelo cabaço de suas filhas, diferente da Romênia onde a virgindade é algo escasso.

Chegando ao país da bota, é recebido pelo Marquês di Fiore e sua esposa, que possuem quatro filhas. O Marquês é o grande diretor italiano Vittorio de Sica e seu personagem, falido financeiramente, aproveita para beneficiar-se das intenções do Conde que anuncia o desejo de se casar com uma de suas filhas. O grande problema é o criado da família (Joe Dallesandro) com pensamentos socialistas que acredita na queda da classe dominadora enquanto pratica o coito com duas filhas do Marquês, e ao mesmo tempo.

Morrissey subverte a história para um estudo visual-erótico-sanguinário e até político (na visão do criado). O conflito entre ele e o conde é símbolo de lutas entre classes, sendo que os dois dentro do contexto têm o mesmo objetivo de ter nos braços as filhas do Marquês. Uma dialética ambiciosa para um filme de terror aparentemente oportunista e apelativo para sangreira e mulher pelada.

A busca pela virgem prossegue dentro da mansão do Marquês, embora como já se sabe, duas das filhas, Rubinia e Saphiria, são muitos sapecas. São bonitas também e protagonizam várias cenas de nudez com as petecas cabeludas e encenações de sexo soft-core com o pobre criado socialista. Logo, o vampirão abre olho em cima delas, já que as outras duas filhas são, inicialmente, rejeitadas. Esmeralda, a mais velha é desprovida de beleza e Perla, a mais linda entre todas é muito nova.

O Conde rapidamente descobre que as duas beldades não são virgens de uma maneira visceral. Após chupar o pescoço de suas vítimas para retomar suas forças, seu corpo rejeita o sangue impuro criando seqüências que fazem valer a excelente performance de Kier vomitando sangue em expressões angustiadas. Kier possui muita presença, com uma linguagem corporal que lembra os atores do cinema mudo. Como no início, se maquiando em frente ao espelho (sem ver seu reflexo, lógico).

Morrissey parece ter uma afinidade em criar o choque no publico. Seja no catártico e sangrento desfecho ou na forma como apresenta os costumes de uma época a fim de expandir os limites do que era aceitável dentro do comportamento de uma sociedade com relação à sexualidade, que é um dos pontos principais explorados no filme. A direção é bem característica dos exploitations da época, com zoons e closes enfocando os exageros e os excessos. Desde o olhar expressivo de Kier até mesmo os litros de xarope derramados.

Ainda há a participação especial de Roman Polanski como um italiano espetinho que sacaneia Anton com um jogo bobo. Polanski estava realizando What? em um set de filmagens na Itália perto do local onde Morrissey filmava Blood for Dracula, um filme pouco falado aqui no Brasil, mas recomendável para os amantes dos verdadeiros filmes de terror e que estão cansados de ver sempre a mesma porcaria.

Top 10 de cada década

2008-04-19T16:08:00.009-03:00

Anos 90

1. Crash, Cronenberg
2. Magnólia, P T Anderson
3. Os Imperdoáveis, Eastwood
4. Barton Fink, Coens
5. Boogie Nights, PTA
6. Fogo Contra Fogo, Mann
7. Pulp Fiction, Tarantino
8. Os Bons Companheiros, Scorsese
9. O Pagamento Final, De Palma
10. Violência Gratuita, Haneke

Anos 80

1. Amante, Cassavetes
2. Era uma Vez na América, Leone
3. Paris, Texas, Wenders
4. Touro Indomável, Scorsese
5. Veludo Azul, Lynch
6. Videodrome, Cronenberg
7. Blade Runner, Scott
8. A Barriga do Arquiteto, Greenaway
9. Santa Sangre, Jodorowsky
10. Agonia e Glória, Fuller

É uma pena que aqui não consegui colocar nenhum filme do John Carperter que nesta década realizou pelo menos quatro obras primas que merecem o mesmo destaque que os citados na lista: O Enigma do Outro Mundo, Fuga de Nova York, Os Aventureiros do Bairro Proibido e Eles Vivem.

Anos 70

1. Tragam-me a Cabeça de Alfredo Garcia, Peckinpah
2. O Espírito da Colméia, Erice
3. A Morte de um Bookmaker Chinês, Cassavetes
4. Taxi Driver, Scorsese
5. Laranja Mecânica, Kubrick
6. Profissão: Repórter, Antonioni
7. O Discreto Charme da Burguesia, Buñuel
8. Two-Lane Blacktop, Hellman
9. The Holy Mountain, Jodorowsky
10. Profondo Rosso, Argento

Anos 60

1. O Desprezo, godard
2. Era uma Vez no Oeste, Leone
3. 2001 - Uma Odisséia no Espaço, Kubrick
4. Paixões que Alucinam, Fuller
5. Persona, Bergman
6. O Ano Passado em Marienbad, Resnais
7. Oito e Meio, Fellini
8. O Homem que Matou o Facínora, Ford
9. O Samurai, Melville
10. Os Pássaros, Alfred Hitchcock

Anos 50

1. No Silencio da Noite, Ray
2. A Marca da Maldade, Welles
3. Crepúsculo dos Deuses, Wilder
4. Os Incompreendidos, Truffaut
5. Janela Indiscreta, Hitchcock
6. Hiroshima mon Amour, Resnais
7. Rastros de Ódio, Ford
8. Noites de Cabíria, Fellini
9. Glória Feita de Sangue, Kubrick
10. Meu Tio, Tati

Anos 40

1. Ladrões de Bicicleta, De Sica
2. Festim Diabólico, Hitchcock
3. Cidadão Kane, Welles
4. A Felicidade não se Compra, Capra
5. O Tesouro de Sierra Madre, Huston
6. O Boulevard do Crime, Carné
7. Obsessão, Visconti
8. As Vinhas da Ira, Ford
9. A Beira do Abismo, Hawks
10. Pacto de Sangue, Wilder

Anos 30

1. Luzes da Cidade, Chaplin
2. Scarface, Hawks
3. A Idade do Ouro, Buñuel
4. M, Fritz Lang
5. A Regra do Jogo, Renoir
6. L'Atalante, Vigo
7. Freaks, Browning
8. O Diabo a Quatro, MaCarey
9. Limite, Peixoto
10. No Tempo das Diligências, Ford

Anos 20

1. O Martirio de Joana D'arc, Dreyer
2. A General, Keaton
3. Um Cão Andaluz, Buñuel e Dali
4. Aurora, Murnau
5. Metrópolis, Lang
6. Em Busca do Ouro, Chaplin
7. O Encouraçado Potenkin, Eisenstein
8. Nosferatu, Murnau
9. O Gabinete do Dr. Kaligari, Wiene
10. A Ultima Gargalhada, Murnau

Bava alugado

2008-04-17T00:20:00.007-03:00

5 Bambole per la Luna D'Agosto (1970), de Mario Bava: É interessante como mesmo sendo um mestre do cinema de horror, Mario Bava eventualmente trabalhava de aluguel para seus produtores, embora tivesse controle quase total do material e de tudo que estava sendo filmado. No entanto, em 5 Bambole per la Luna D'Agosto, Bava entrou no projeto apenas dois dias antes de começarem as filmagens. Mesmo dizendo que o roteiro não passava de uma versão de uma história de Agatha Christie (Ten Little índios, que Bava odiava), o diretor foi convencido pela insistência dos produtores Pietro e Mario Bregni, mas com uma condição: que recebesse adiantado.

Ou seja, ele tava mais preocupado em encher o bolso de dinheiro mesmo, mas até que o resultado não é desastroso nem nada disso. O diretor conseguiu manter uma ótima atmosfera de suspense com um clima de psicodelismo e musicalidade referente ao período, mas está longe de ser o Mario Bava de Sei Donne per L’assassino, A Máscara do Demônio, Rabid Dogs e muitos outros, embora tenha algumas sacadas geniais como a contagem de corpos pendurados no frigorífico a cada assassinato ocorrido. O elenco possui alguns dos habituais colaboradores do cinema de horror italiano da época, como a beldade linda e maravilhosa Edwige Fenech que já vale uma "assistida". Vale também como curiosidade para os apreciadores do trabalho do cineasta.
(este final foi típico de resenha feita às pressas por varios motivos... mas tudo bem.)

Road Movie existencialista

2008-04-14T13:29:00.012-03:00

Two-Lane Blacktop (1971), de Monte Hellman: Tentei escrever pouco sobre o filme, mas quando comecei, percebi que não dava pra tratar desta obra prima do cinema americano de forma tão superficial. Não que minha análise seja densa, nem tenho capacidade pra tanto, mas ficou um pouco mais detalhado que de costume.

Logo no início somos apresentados ao piloto e seu mecânico (assim são mencionados nos créditos), personagens que vivem nas estradas dirigindo um Chevy 1955 realizando pegas pra ganhar um trocado. Vivem num universo particular dos carros possantes, da fumaça dos carburadores, dos roncos dos motores e das corridas clandestinas, cujos carros são modificados minimamente para um melhor desempenho.

Este universo é quebrado com a entrada de outros dois personagens em cena. A garota sem destino que viaja com eles de carona e GTO, vivido por Warren Oates, um sujeito que corre pelas estradas dando carona às pessoas e inventando histórias. Eles decidem apostar uma corrida até Washington DC. É durante esse trajeto e seus contratempos que Monty Hellman estrutura a narrativa.

A trama é bastante simples e a tal corrida é o que menos importa para o diretor. O foco se encontra em seus personagens, o cotidiano e a catarse do universo particular. É interessante como a mesma maneira que transformam seu carro minimamente para o desempenho, acaba refletindo no relacionamento limitando-os também em falar somente o mínimo, o essencial. quase não acontece diálogos entre os dois e quando ocorre, 90% é sobre carros. Warren Oates, um dos meus atores preferidos desta época, tem aqui uma de suas melhores performances e é engraçado como assume várias personalidades a cada passageiro que pega carona.

Hellman é um diretor que não filma espetáculos. Não esperem ver aqui cenas grandiosas de carros em disputas de alta velocidade em ritmo de videoclip. Hellman filma o espaço. Ou melhor, a ação dentro do espaço. É o que torna Two-Lane Blacktop tão essencial. A forma como o cineasta captura as imagens com poesia espacial que define a profundidade do campo de ação sem precisar mexer um centímetro de câmera. E ainda há o final emblemático, a película que queima, o destino indefinido que os aguarda.

French Horror Flick

2008-04-11T13:45:00.008-03:00

A Invasora (2007), de Alexandre Bustillo e Julien Maury: Estreando o novo visual do blog depois de ver esse filmezinho francês que vem ganhado uma certa notoriedade por um grupo de cinéfilos que aprecia um catálogo de violência explícita, mutilações e litros de sangue sem se preocupar em pensar. Mas funciona, e isso que importa. Trata de uma busca pela sobrevivencia agressivamente perturbadora que vai levantar muitas sobrancelhas durante a projeção.

A premissa é bastante simples, plausível, sem divagações, mas coloca o espectador num estado de espírito de tensão com um show de imagens chocantes recheadas de elementos que vão desde o terror psicológico com o mais alto grau de violência on screen. Há um belíssimo contraste entre estilo francês de filmar e o gore que remete aos diretores italianos como Fulci e Argento e que difere de longe das produções americanas com adolescentes retardados. Não recomendo às pessoas com estômago fraco, cardíacos e grávidas (principalmente!).

A Coisa (1985), de Larry Cohen

2008-04-10T00:22:00.004-03:00

Produto classe B que virou cult dos anos 80 recheado de elementos do “terrir” (o terror que faz rir, obviamente) que ainda fascina depois de tantos anos, os mesmos olhos de moleque que assistia escondido dos pais. A coisa do título é um organismo parecido com um sorvete que, para o deleite do público, acaba sendo distribuído como um produto comestível dos mais deliciosos e aos poucos transforma seus consumidores em zumbis controlados e viciados. De alguma maneira, uma forte crítica ao consumo capitalista se forma beneficamente como pano de fundo do entrecho. Mas o que ainda surpreende são as maquiagens e os efeitos de trucagem que Larry Cohen e sua equipe utilizam com criatividade.

Boarding Gate (2007), de Olivier Assayas

2008-04-07T13:36:00.006-03:00

Um dos bons motivos para não perder este filme (se é que vai chegar por aqui) se chama Asia Argento. De exótica beleza e sexy da ponta do cabelo até dedinho do pé, a filha de Dario Argento ainda demonstra talento singular e capacidade de carregar o filme nas costas. O que não quer dizer que o diretor não tenha seus méritos, pelo contrário, o francês Olivier Assayas provavelmente seja um dos cineastas mais maduros do cinema atual e seu estilo de direção e movimentação de câmeras ultrapassam os limites da criatividade. Mas não consigo imaginar o mesmo impacto com outra atriz vivendo a protagonista com a mesma intensidade de Asia. Outro elemento surpreendente é a escolha de Michael Madsen que cumpre um papel de tamanha importância para a trama. Madsen é esnobado por Hollywood, sendo lembrado pelas participações nos filmes de Tarantino. Em Boarding Gate ele cala a boca dos detratores com um excelente desempenho e ainda tem o privilégio de enfiar a cara na bunda da Asia!

2008-04-06T04:30:00.005-03:00

Charlton Heston

1924 - 2008

Perseguidor Implacável (1971), de Don Siegel

2008-04-06T01:19:00.005-03:00

Vi este aqui há um tempinho. É o primeiro longa que deu origem ao famoso policial personificado por Clint Eastwood: Harry Callahan, o tira mais durão de São Francisco, mais conhecido como Dirty Harry, um sujeito que age de acordo com suas próprias leis, cujos ideais nem sempre vão de acordo com os burocráticos métodos da policia. Esta espécie de personagem contribuiu para a formação de um estereótipo de policiais inabaláveis e “anarquistas” que surgiram aos montes na década de 70 e 80.

Perseguidor Implacável é claramente baseado nos eventos do famoso serial killer Zodíaco, no qual foi tema recente do filme de David Fincher, lançado no ano passado. Mas ao contrário do realismo impresso na adaptação, aqui o assassino enfrenta o policial casca grossa.

Clint foi uma escolha interessante para viver o personagem (após ter sido oferecido a John Wayne, Paul Newman e até Frank Sinatra!), que não exigia uma performática, antes tivesse uma presença marcante em cena. E é o que o eterno Pale Raider tem de sobra. Prova disso é a cena onde o bandido mantém um ônibus escolar como refém e avista de longe a figura de Dirty Harry estática, fria, esperando tranquilamente em cima de uma ponte pronto pra fazer sua Magnun cuspir bala calibre 44.

Breves comentários sobre o rapaz de skate e o detetive maluco....

2008-04-03T01:36:00.007-03:00

Paranoid Park (2007), de Gus Van Sant: Serve tanto como veículo para que Van Sant lance seu olhar pedófilo e questionador sobre a juventude alienada americana como também reitera a posição de vanguarda que ele ocupa entre os cineastas americanos. Também corresponde a um amadurecimento na linha de evolução de um processo magistralmente definido em Gerry, depois aplicado em Elephant e Last Days.

Mad Detective (2007), de Johnnie To e Ka-Fai Wai: É um drama policial sólido, que possui o diferencial de carregar o nome de Johnnie To como diretor (além de Wai). Três ótimas sacadas pra sintetizar: a) Bum, o detetive louco do título, é um dos personagens mais bizarros que já surgiu nos filmes de To; b) a maneira como os diretores mostram a subjetividade de Bum e seus métodos de investigação é genial; c) o final com o lance dos espelhos é encenado com maestria e faz boa alusão ao clássico A Dama de Shangai, de Orson Welles.

Filmes de Março e dois caras legais que partiram...

2008-04-01T00:56:00.006-03:00

Segue a lista do mês de Março com revisões em negrito:

20 MILLION MILES TO EARTH (1957), de Nathan Juran ***
O RATO QUE RUGE (1959), de Jack Arnold ****
VIDEODROME (1983), de David Cronenberg *****
ONCE (2006), de John Carney***
FESTIM DIABÓLICO (1948), de Alfred Hitchcock *****
ARRIVEDECI, AMORE, CIAO (2006), de Michele Soavi ****
O ORFANATO (2007), de Juan Antonio Bayona ***
THE MECHANIC (1972), de Michael Winner ****
SANGUE NEGRO (2007), de Paul Thomas Anderson *****
SUKIYAKI WESTERN DJANGO (2007), de Takashi Miike ****
CASSANDRA’S DREAMS (2007), de Woody Allen ***
O NOVO MUNDO (2006), de Emanuele Crialese ****
YOUTH WITHOUT YOUTH (2007), de Francis Ford Coppola **
THE MIST (2007), de Frank Darabont ****
LA TERZA MADRE (2007), de Dario Argento ****
EM BUSCA DO OURO (1925), de Charles Chaplin *****
LADRÕES DE BICICLETA (1948), de Vittorio de Sica *****
O RAIO VERDE (1986), de Eric Rohmer ****
IRMA VEP (1996), de Olivier Assayas *****
AURORA (1927), de F.W. Murnau *****
MAD DETECTIVE (2007), de Johnnie To e Ka-Fai Wai ****
PARANOID PARK (2007), de Gus Van Sant ****
BEST SELLER (1987), de John Flynn *****

Richard Widmark

1914 - 2008

Jules Dassin

1911 - 2008

Arrivederci Amore, Ciao (2006), de Michele Soavi

2008-03-31T00:43:00.006-03:00

Na programação do canal Cinemax está passando essa preciosidade do diretor italiano Michele Soavi. O filme narra o drama de um ex-guerrilheiro que atuava na américa e, de volta a Itália, tenta se ajustar, mas acaba sempre entrando em situações desconfortáveis devido ao espírito marcado pela violência do passado. Soavi é um diretor experiente cuja carreira iniciou-se na década de 80 realizando filmes de terror elogiados pelos apreciadores do gênero e apesar de não possuir uma vasta filmografia, seus trabalhos possuem um apuro visual interessante. Arrivederci Amore, Ciao é o seu retorno ao cinema depois de quase 10 anos trabalhando na TV. Ainda surpreende seu estilo nada convencional aplicado ao roteiro insólito de Marco Colli. É mais um outro achado do cinema italiano, seguindo o exemplo do post anterior.

O Novo Mundo (2006) Emanuele Crialese

2008-03-29T15:12:00.007-03:00

Um pequeno achado do novo cinema italiano: Emanuele Crialese, diretor felliniano e muito talentoso. O Novo Mundo é um delírio visual, repleto de sacadas estéticas simétricas e geométricas. As seqüências iniciais são de uma imensa beleza natural, um verdadeiro mosaico de pedras onde os personagens se deslocam até tomarem a decisão de ir para a América. Depois, o filme ganha o humor que dá uma certa leveza ao ritmo que busca imprimir o processo, quase documental, da viagem de imigrantes para a América, mas sempre sustentado pelo excelente padrão visual. Além de Nanni Moretti e poucos outros, Crialese é um dos diretores que ajuda a carregar o atual cinema italiano nas costas.

O Raio Verde (1986), de Eric Rohmer

2008-03-28T01:39:00.008-03:00

Se cada ser humano consiste em um conjunto de características que formam uma personalidade única, então cada filme de Eric Rohmer, por mais que tenha uma estética homogênea, pode ser considerado único, tendo em vista que seus filmes são estudos de personalidade e comportamento humano. No caso de O Raio Verde, o foco é Delphine, uma moça desajustada, insatisfeita e sensível. Em suas férias ela viaja, não consegue se relacionar com as pessoas, volta à Paris, sente-se sozinha, viaja novamente e se decepciona com todos a sua volta. Fica sempre à espera de algo que preencha um vazio que ela tenta esconder, mas que todos percebem. A certa altura, ela ouve falar do Raio Verde de Julio Verne, que trata sobre o ultimo raio de luz lançado pelo sol ao se por no horizonte. A pessoa que conseguisse observar o fenômeno seria capaz de ver os pensamentos e sentimentos das pessoas a seu redor. É um belo filme, delicado e muito bem encenado com um tom de improviso. Os diálogos parecem que não foram escritos, mas simplesmente filmados. Os planos de Rohmer são simples e captam o essencial, inclusive no desfecho seco quando o filme revela a que veio e finalmente Delphine se depara com seu destino.

La Terza Madre (2007), de Dario Argento

2008-03-26T00:10:00.006-03:00

É bem verdade que deveriam proibir o uso de computação gráfica nas mãos de diretores como Dario Argento, mas até que ele soube não decepcionar aqueles que, desde Ópera, esperam uma obra marcante. Não que seus filmes dos anos 90 sejam ruins (Trauma é muito bom), ou os ótimos trabalhos feitos para televisão, mas é fato que o diretor não obteve os mesmos resultados que suas produções dos anos 70 e 80. La Terza Madre fecha a Trilogia das Bruxas com estilo e um elevado nível de violência explícita que fará a alegria dos fãs do cineasta. Sem contar a bela presença de Asia Argento. O enredo é bem simples, mas supre muito bem a necessidade de ser um veículo para que o diretor demonstre forte potencial como realizador de imagens impactantes.

Alguns filmes do feriado...

2008-03-24T00:47:00.012-03:00

Youth Without Youth (2007), de Francis Ford Coppola: Coppola é um artista e este seu ultimo trabalho é um surpreendente exercício visual. O problema está no material que escolhe e no objetivo de sempre ser épico e pretencioso. Há 10 anos sem filmar, o veterano cineasta entrega uma obra desigual, bagunçada que se perde depois da primeira hora e se arrasta sem propósito até o desfecho com elementos à David Lynch. Coppola precisa entender que a simplicidade da primeira hora é muito mais interessante que a busca pretensiosa do restante. Mas quem sabe daqui alguns anos vire cult como várias outras obras incompreendidas do diretor como O Fundo do Coração?

The Mist (2007), de Frank Darabont: Ótima adaptação de uma história de Stephen King, cujo resultado é uma obra realmente funcional no campo do gênero que se propõe. É um típico clássico filme de monstro, mas levado à inesperadas consequências pessimistas, principalmente para o protagonista que se deixa levar pelo irracional desumano um pouco antes de perceber que foi tudo em vão. Marcia Gay Harden e toda a questão fanática-religiosa é uma sacada muito bem aproveitada. E a direção de Darabont entrosa muito bem a atmosfera de terror com o estudo humano em contato com situações extremas.

Sukiyaki Western Django (2007), de Takashi Miike

2008-03-21T03:44:00.003-03:00

Diretor subversivo, Miike nos dá mais um de seus filmes bizarros. Homenageando os velhos Westerns-Spaghettis italianos, o cineasta, dentro de uma dialética de referencias cinematográficas, coloca japoneses cowboys de chapéus e cavalos, falando em inglês, empunhando revólveres e espadas samurais, em seqüências de ação administradas em ritmo de alta potencia. Uma reificação do espírito dos filmes de bang bang, mediante uma visão oriental que poucos diretores teriam (Johnnie To é um deles). E Quentin Tarantino em presença física é um elemento muito bem sacado.

Novo Allen e horror espanhol

2008-03-19T02:18:00.008-03:00

Cassandra’s Dreams (2007), de Woody Allen: Este novo trabalho de Allen é um de seus filmes mais desiguais. Pode não atingir ainda o mesmo nível de outrora, mas é uma eficiente e seca parábola que explica até que ponto a lealdade familiar pode chegar. Ainda em Londres e assimilando uma atmosfera dramática como nunca, o diretor impõe-se em determinadas passagens como um mestre lúcido em um contexto ausente do humor que o consagrou. E Collin Farrell, de ator mediano, já disputa com competência atuando ao lado de Tom Wilkinson e Ewan McGregor, cujos desempenhos sempre são coesos.

O Orfanato (2007), de Juan Antonio Bayona: O horror espanhol invadiu o cinema com uma explosão assustadora. O Orfanato é uma dessas fitas que corrobora a hegemonia criativa de uma estética atual com um entrecho que vai muito além de apontar referencias cinematográficas dos clássicos filmes de terror, como Os Inocentes, de Jack Clayton. Bayona estréia na direção, apadrinhado por Guilermo Del Toro, mas imprime autenticidade na criação da atmosfera de suspense moto-visual e sonora. Também fabulosa é a fotografia de Óscar Faura.

Sangue Negro (2007), de Paul Thomas Anderson

2008-03-17T10:13:00.004-03:00

Cheguei agora de Belo Horizonte onde fui assistir no sábado ao show do Interpol, umas das minhas bandas favoritas. No domingo, aproveitei pra conferir essa obra prima que ainda não estreou aqui em Vitória. O filme reafirma a posição de seu diretor como um dos maiores narradores do cinema puro americano, liberto da ribalta. O que não impediu o advento da impressionante interpretação de Daniel Day Lewis. O método de dirigi-lo e explorá-lo é dos mais assustadores possíveis.

Sangue Negro trata de um filme de terror épico, um estudo do homem em contato e obcecado com o poder num de seus momentos mais lúcidos. Nisso tudo, ganha o domínio de Paul Thomas Anderson propiciando vigoroso impacto dramático a um tipo de cinema clássico, tradicional, mas eficiente e servido de excelente fotografia, trilha sonora e monstruoso desempenho do melhor ator que temos na atualidade.

A Morte de um Bookmaker Chines (1976), de John Cassavetes

2008-03-14T00:27:00.007-03:00

Cassavetes se depara com um cinema de gênero, o que não é o seu habitual. E que não significa muito também, já que o filme se apresenta menos como uma trama de suspense/máfia do que uma série de situações cotidianas que acompanham o carismático dono de uma casa noturna, Cosmo Vitelli (Ben Gazarra, num excelente momento), em um profundo estudo existencial de personagem. A câmera de Cassavetes mantêm uma distância claustrosfóbica em Cosmo dentro dos enquadramentos. Cada olhar de Gazarra ganha um valor expressivo e sentimental impressionante. Uma carga dramática inesperada para um filme que aparenta superficialmente uma trama bem definida e linear (como se isso fosse possível para Cassavetes): um sujeito que aceita a missão de matar um bookmaker para se livrar das dívidas que arranjou com a máfia, típico enredo de filmes exploitation da época, mas com o charme e o estilo improvisado de John Cassavetes.

Quella Villa Accanto al Cimitero, aka The House by the Cemetery (1981), de Lucio Fulci

2008-03-13T00:36:00.003-03:00

Horror italiano básico, típico filme de casa mal assombrada, onde o diretor Lucio Fulci, um dos grandes mestres do gênero, explora suas obsessões, sustentando a narrativa com uma atmosfera densa, clima de suspense de arrepiar (cada descida ao porão da casa é um gelo na espinha) e as famosas sequencias de violência visual em plano detalhe, que é uma das principais características do cineasta italiano, além da distância que o diretor mantêm das verossimilhanças do roteiro, apesar de não ter a mesma liberdade criativa de The Beyond, filme de qualidade superior que Fulci dirigiu no mesmo ano.

O Escafandro e a Borboleta (2007), de Julian Schnabel

2008-03-12T16:22:00.004-03:00

Hitchcock limitava detalhes de direção pelo simples prazer de experimentar o novo. Foi assim com Festim Diabólico tentando realizar um filme num único plano seqüência (o que de fato não ocorre, mas não deixa de ser genial). Em O Escafandro e a Borboleta, o diretor Julian Schnabel optou em narrar a história de um personagem limitado por natureza. Jean-Dominique Bauby, vivido por Mathieu Amalric, sofre uma rara doença conhecida como Síndrome do Encarceramento, do qual o indivíduo fica completamente paralisado, mas consciente de tudo ao seu redor. Mexendo apenas seu olho esquerdo, Dominique consegue se comunicar e escrever o livro que deu origem ao filme.

É também por esse mesmo olho que Schnabel impõe seus limites na direção ao tentar desenvolver a narrativa através do ponto de vista do personagem, ou seja, o publico assiste o que Dominique vê (o que de fato também não ocorre em 100% da projeção, mas não deixa de ser genial). É um material difícil de se imaginar visualmente. Poderia facilmente ser uma fonte de sentimentalismo banal. Mas ganha um tratamento oposto. O roteiro possui humor e trabalha com os clichês de forma inteligente. As temáticas previsíveis (desejo da morte, sofrimento, etc...) ganham um equilíbrio perfeito pelas escolhas que o diretor define para mostrar as situações. O resultado não deixa de emocionar, mas o trabalho de direção e a concepção estética também são de encher os olhos.

Diretores de Cabeceira - Parte III

2008-03-11T12:26:00.008-03:00

Howard Hawks

Scarface (32)
A Beira do Abismo (46)
Onde Começa o Inferno (59)
Hatari! (62)
Rio Vermelho (48)

Alfred Hitchcock

Janela Indiscreta (54)
Os Pássaros (63)
Psicose (60)
Festim Diabólico (48)
Um Corpo que Cai (58)
Interlúdio (46)

Fritz Lang

M (31)
Metropolis (27)
Os Corruptos (53)
Só se Vive uma Vez (37)
Scarlet Street (45)

Andrey Tarkovski

Stalker (79)
Nostalgia (83)
O Sacrifício (86)
Solaris (72)
Andrei Rublev (69)

François Truffaut

Os Incompreendidos (59)
Jules e Jim (62)
Fahrenheit 451 (66)
Beijos Proibidos (68)
A Noiva Estava de Preto (68)

Billy Wilder

Crepúsculo dos Deuses (50)
Pacto de Sangue (44)
Farrapo Humano (45)
Quanto Mais Quente Melhor (59)
Se Meu Apartamento Falasse (60)

Francis Ford Coppola

O Poderoso Chefão (Trilogia)
A Conversação (74)
Apocalypse Now (79)
Drácula (92)
O Selvagem da Motocicleta (83)
The Outsiders (83)
O Fundo do Coração (82)

Clint Eastwood

Os Imperdoáveis (92)
Bird (88)
Um Mundo Perfeito (93)
Menina de Ouro (04)
Cartas de Iwo Jima (06)

David Lynch

Cidade dos Sonhos (01)
Veludo Azul (86)
A Estrada Perdida (97)
O Homem Elefante (80)
Eraserhead (77)

Lucio Fulci

Zombi (79)
The Beyond (81)
O Estranho Segredo do Bosque dos Sonhos (72)
New York Ripper (82)
A casa do Cemitério (81)

Jim Jarmusch

Estranhos no Paraíso (82)
Down By Law (86)
Gosth Dog (99)
Trem Mistério (89)
Dead Man (95)
Sobre Café e Cigarros (03)

News

2008-03-07T14:45:00.002-03:00

David Gordon Green é um desses jovens diretores que vem demonstrando ótimo talento e versatilidade dentro do cinema americano, o que sugere uma atenção em torno de seus filmes e trabalhos futuros. Seu próximo projeto suspeita-se que seja a refilmagem do clássico cult do horror italiano Suspíria, de Dario Argento. Um filme que, na minha opinião, não precisa de refilmagem. Mas se forem mesmo realizar, espero que Green assuma a direção e comprove seu talento, já que ele mesmo escreveu o roteiro da refilmagem e só falta a confirmação de que também será o cabeça por trás das câmeras.

2008-03-06T13:27:00.006-03:00

Diretores de Cabeceira - parte II

Jean Luc Godard

O Desprezo (63)
Pierrot le Fou (65)
Acossado (60)
Week End (67)
Uma Mulher é Uma Mulher (61)
Viver a Vida (62)

Federico Fellini

Amarcord (73)
Noites de Cabíria (57)
A Doce Vida (60)
E La Nave Va (83)
Oito e Meio (63)

Ingmar Bergman

Persona (66)
O Sétimo Selo (57)
A Hora do Lobo (68)
Gritos e Sussurros (72)
Morangos Silvestres (57)

Luis Buñuel

O Discreto Charme da Burguesia (72)
Os anjos Exteminadores (62)
A Bela da Tarde (67)
Ensaio de um Crime (55)
Os Esquecidos (50)

Akira Kurosawa

Ran (85)
Kagemusha (80)
Yojimbo (61)
Os sete Samurais (54)
Viver (52)

Luchino Visconti

Morte em Veneza (71)
Rocco e Seus Irmãos (60)
O Leopardo (63)
Noites Brancas (57)
Obsessão (43)

Claude Chabrol

A Besta Deve Morrer (69)
O Açougueiro (70)
Assunto de Mulheres (88)
Les Bonnes Femmes (60)
A Dama de Honra (04)

John Cassavetes

Amantes (84)
A Morte de um Bookmaker Chinês (76)
Uma Mulher Sob Influência (74)
Faces (68)
Noite de Estréia (77)

Michael Haneke

A Professora de Piano (01)
Violência Gratuita (97)
Caché (05)
Tempos de Lobo (03)
Código Desconhecido (00)

Krzysztof Kieslowski

A Liberdade é Azul (93)
A Igualdade é Branca (94)
A Fraternidade é Vermelha (94)
A Dupla Vida de Veronique (91)
Não Matarás (88)

Diretores

2008-03-04T15:02:00.007-03:00

Diretores de Cabeceira

É uma idéia que alguns blogues estão fazendo e eu resolvi plagiar. Vou listar meus diretores favoritos com três a cinco filmes preferidos de cada um. Os posts vão conter uns 10 diretores sem ordem de preferência nem alfabética, e assim, meus poucos leitores poderão conhecer melhor o meu gosto pelo cinema.

Nicholas Ray

No Silêncio da Noite (50)
Bigger than Life (56)
Juventude Transviada (55)
Sangue Sobre a Neve (60)
Johnny Guitar (54)

Sam Fuller

Paixões que Alucinam (63)
O Beijo Amargo (64)
Agonia e Glória (80)
Anjo do Mal (53)
Steel Helmet (51)

Sergio Leone

Era uma Vez no Oeste (68)
Três Homens em Conflito (66)
Era uma Vez na América (84)
Quando Explode a Vingança (71)
Por uns Dólares a Mais (65)

David Cronenberg

Crash (96)
Mistérios e Paixões (91)
Videodrome (83)
Gêmeos – Mórbida Semelhança (88)
Marcas da Violência (05)

Brian de Palma

Um Tiro na Noite (81)
O Pagamento Final (93)
Scarface (83)
Dublê de Corpo (84)
Carrie (76)

Abel Ferrara

Vício Frenético (92)
O Rei de Nova York (90)
Olhos de Serpente (93)
Os Chefões (96)
Ms. 45 (81)

Dario Argento

Prelúdio para Matar (75)
Suspíria (77)
Tenebre (82)
Terror na Ópera (87)
Phenomena (85)

John Carpenter

O Enigma do Outro Mundo (82)
Fuga de Nova York (81)
Os Aventureiros do Bairro Proibido (86)
Eles Vivem (88)
Halloween (78)

George A. Romero

O Dia dos Mortos (85)
O Despertar dos Mortos (78)
A Noite dos Mortos Vivos (68)
Cavaleiros de Aço (81)
Matin (77)

Martin Scorsese

Táxi Driver (76)
Touro Indomável (80)
Depois de Horas (86)
Os Bons Companheiros (90)
Caminhos Perigosos (73)

2008-03-03T12:40:00.005-03:00

Quase desesperando por ainda estar sem computador, postando no trampo, breves impressões sobre alguns filmes que vi:

O Quarto Verde (1978), de François Truffaut: O próprio Truffaut interpreta o protagonista, um jornalista amargurado pelas lembranças da falecida esposa. Ele conhece uma moça com um problema similar ao seu e resolvem fazer um altar para ascender velas aos seus mortos. O Quarto Verde é um belo filme de um Truffaut mais sereno, poético e filosófico sobre as questões da perda e da forma como os mortos ainda fazem parte da vida dos vivos.

Meu Nome é Ninguem (1973), de Tonino Valerii e Sérgio Leone: Meu Nome é Ninguém é um western estranho. Não sei até que ponto vai a direção de Leone e a de Valerii, mas a falta de informações claras no início pode tirar um pouco a atenção do publico. Aos poucos a história e a própria narrativa ganham coesão. É um filme de momentos isolados. A visão de um todo é irregular, mas seqüências como Terrence Hill atirando nos copos no bar são memoráveis.

Viver (1952), de Akira Kurosawa: Um dos filmes mais interessantes de Akira Kurosawa. Trata de um homem que, após descobrir um câncer, passa os últimos meses que lhe resta em busca de algo que faça significar sua existência. Viver foge do óbvio e dos clichês dos filmes sobre encontrar um sentido na vida. Kurosawa entrega uma história sobre envelhecer e não ter feito nenhuma realização. E algo deve ser dito quanto a análise do burocrático processo que até hoje, passados mais de meio século, ainda se instala nos órgãos públicos.

4 Meses, 3 Semanas e 2 Dias

2008-02-28T14:40:00.005-03:00

4 Meses, 3 Semanas e 2 Dias (2007), de Cristian Mungiu

O filme romeno de Cristian Mungiu é uma verdadeira descida ao inferno. 4 Meses, 3 Semanas e 2 Dias se passa numa Romênia dos anos 80 sofrida pelas mudanças políticas e o diretor trabalha muito bem toda a atmosfera de hábitos referentes àquela época. É neste ambiente que acompanhamos Otília (Anamaria Marinca, excepcional) em sua jornada infernal com o objetivo de conseguir um aborto para sua amiga, Gabita. Mungiu é extremamente realista na direção e sua preocupação consiste na ação e no árduo processo sofrido pela protagonista, deixando um gosto amargo no público. É interessante o distanciamento do diretor em relação ao seu objeto. O aborto é apenas um pano de fundo que se desdobra nas várias situações de desconforto, como na perturbadora sequencia no quarto de hotel ou o angustiante jantar em família, onde se percebe claramente o estado de espírito de Otília depois de tudo que passou. Mungiu, embora jovem, transparece um grau de maturidade exemplar em termos de direção. O filme venceu a Palma de Ouro em Cannes do ano passado e é um sério candidato a um dos melhores deste ano.

por ronald

O Pagamento Final

2008-02-26T11:49:00.005-03:00

O Pagamento Final (1993), de Brian de Palma

Estava revendo O Pagamento Final no Tele Cine Cult. É incrível como descubro novos detalhes neste filme que cresce a cada revisão. É um equilíbrio perfeito entre o exercício de direção inventivo e as obsessões do diretor com um roteiro formal que segue uma narrativa reta, centrada em gêneros clássicos como filmes de gangster e o suspense policial. Quando vi ainda moleque há alguns anos, achei a trama um pouco inchada, mas hoje, entendendo um pouco mais o cinema de Brian De Palma, percebo o mundo de situações e detalhes narrativos que o diretor procura enfatizar. Não apenas na trama como a presença de Sean Penn fazendo o advogado junkie irresponsável (que já valeria o filme todo) ou a relação de Carlitos com a Stripper, mas todo o cuidado na elaboração de cada seqüência, não como exibição estéril de maestria, e sim como uma prova de maturidade plena do diretor.

por ronald

Oscar 2008

2008-02-25T11:51:00.004-03:00

Oscar mais que merecido.

Ps: era óbvio que isso iria acontecer mas achei uma pena a Academia ignorar, na homenagem aos que morreram, um dos grandes diretores do cinema trash italiano, Bruno Mattei, que faleceu em 2007.

Rambo 4

2008-02-24T00:43:00.006-03:00

Rambo 4 (2008), de Silvester Stallone: O que mais surpreende em Rambo 4 é como Stallone realizou, em pleno século XXI um filme da década de 80. Uma ode à nostalgia e ao autêntico cinema de ação. O filme é bem seco e direto com uma trama superficial e alguns diálogos piegas. Mas quando a ação acontece, vale o filme todo. A violência é extrema e Stallone tem muita noção de onde coloca sua câmera e de como movimentá-la. Trabalho de um verdadeiro mestre de ação. O diretor parece um pouco perdido na tentativa de humanizar o personagem tornando-o uma variação de Rocky na selva. Ainda assim é um deleite para os fãs ver o personagem de volta às telas. Já as mocinhas, vão achar tudo muito violento, uma falta de respeito contra a vida humana. O filme mostra explicitamente atrocidades, decapitações, estupro, crianças morrendo, membros decepados aos montes, um verdadeiro Canibal Holocausto do cinema de ação. Só faltou o Stallone arrancar um pedaço de carne e enfiar na boca.

2008-02-22T01:50:00.003-03:00

Santa Sangre (1989), de Alejandro Jodorowsky: Santa Sangre é mais uma grande realização do chileno Alejandro Jodorowsky. Existe uma trama, obviemente não convencional (e que nem vale a pena dissertar para aguçar a curiosidade), onde o diretor insere, no decorrer da narrativa, todas as suas obsessões formando um um fluxo alegórico de situações insólitas e imagens de forte impacto visual carregados de simbolismo. É tanta informação (daria pra escrever uma tese) que após uma hora de filme, a impressão é que já se viu de tudo, mas sempre surge em cena algo ainda mais surpreendente, o que proporciona mais uma viagem alucinante ao cinema de Jodorowsky.

por ronald